Dennis: Ja, der Stress legt sich langsam wieder. Wir hatten ein richtig geiles Releasekonzert am 20. Januar in Berlin. Der Frannz Club war so gut wie ausverkauft: 420 Leute! War echt der Hammer!

Euer erstes Album ist ja nun auch am 20. erschienen. Die ersten Rezensionen sind bestimmt auch schon reingeflattert!? Wie sind die denn so? Durchweg positiv?

Dennis: Ja, die gibt’s schon; kann man im Internet recherchieren. Die sind vor allem von Online-Portalen. Der Konsens ist wirklich sehr positiv. Es ist aber auch klar, dass es noch ein bisschen zu kritisieren gibt. Ich finde aber auch gut, dass selbst die Leute, die dem Album nicht so viel abgewinnen können, finden doch was Gutes darin. Es gibt so zwei Kritikpunkte, die aber auch nicht alle haben: Der eine ist, dass dem Album hin und wieder ein bisschen “die Eier fehlen”. Das wurde bisher noch gar nicht groß geschrieben, aber das haben wir so intern schon ausmachen können. Gerade die drei, vier rockenden Songs hätten ruhig noch ein bisschen nach vorne gehen können. Aber das ist wohl auch eine große Mastering/Mix-Frage des Albums. Es ist eben recht einheitlich gemixt und deswegen klingt es wohl auch etwas melodiöser. Der zweite Punkt, den ein paar kritisiert haben, ist dass es in zu viele Richtungen geht. Wobei dann aber auch andere wieder herausgefunden haben, dass dies nur auf den ersten Blick so scheint, aber gar nicht mal so ist, beziehungsweise dann auch gesagt haben, dass sie gespannt sind, was in Zukunft kommt.

Auf jeden Fall. Das Album ist erstmal ein Ausrufezeichen in alle möglichen Richtungen, was eigentlich hier möglich wäre. Es klingt auf jeden Fall jung und frisch. Man merkt, dass hier noch eine recht neue Band mit ganz vielen Ideen am Werk ist. Aber dennoch – das merkt man an ganz vielen Stellen – ist das Ganze durchdacht und man hört, dass es ziemlich lange gebraucht haben muss, um so zu werden wie es ist. Außerdem habe ich mir noch das Wort “scheuklappenlos” aufgeschrieben, mag heißen, dass es hier in viele Richtungen geht…

Dennis: Es wird in Zukunft auf jeden Fall mehr in eine Richtung gehen. Das merken wir auch gerade beim Songschreiben, denn wir haben schon wieder sieben, acht neue Stücke… ohne aber langweilig zu werden, es bleibt facettenreich. Es wird auch alles ein bisschen einfacher, die Songs werden kürzer und um einiges rockiger. Das wirst du dann auch sicher am 10. (Anm.: Februar, Auftritt in Chemnitz zusammen mit Playfellow) herausfinden. Ich weiß nicht, ob das auch wieder eine Phase ist, aber die klingen alle eher wie aus einem Guss. Wir finden die Entwicklung aber auch gut. Man kann ja sagen beim ersten Album sind die ersten Songs ja bereits 2007 entstanden, da gab es die Band noch gar nicht lange. Die Songs haben sich über drei, vier Jahre entwickelt und waren schon mit auf unserer ersten EP mit drauf. “(In Brackets)” übrigens auch, der sechste Song. Den haben wir auch schon auf Hebräisch und mit Streichorchester gespielt. Nun haben wir endlich mal seit 2010 den Kern der fünf Musiker zusammen und seitdem ist auch das ganze Songschreiben viel einheitlicher.

Du hast zwar gesagt, dass es demnächst eher in eine geradelinige, direktere Richtung gehen wird, aber mir hat auch gerade das ganze “Drumherum” gut gefallen, vor allem die Bläserarrangements. Klingt als hättet ihr noch ganz guten Kontakt zur Bigband eurer Jugend!?

Dennis: Ich weiß gar nicht so genau wie das so kommt. Einerseits dieses großspurige Arrangieren der Bläser, andererseits auch die Streicher, bei vier Songs sind ja auch Streicher mit drin. Die Streicher sind für mich auf dem Album eher Addition, also die unter-streichen die Songs, man kann sie aber auch getrost wegnehmen, gerade live. Die Bläserarrangements sind eigentlich viel präsenter. Bigbanderfahrung? Weiß ich gar nicht. Als wir noch in Cottbus waren, 2008 oder so, gab es eben zwei, drei Songs, wo wir die Bläser mitgehört haben. Da haben wir uns dann ein paar Leute geholt, die das dann gespielt haben. Mit denen haben wir ein bisschen zusammengearbeitet und dann irgendwann hat Kevin angefangen, ganz allein die Bläsersätze zu schreiben. Er hat ja ein paar Jahre lang Jazzgesang studiert und gerade die jazzig angehauchten Sachen wie “Autumn in Minor” oder “Inside Out” haben dafür Raum geboten und wir machen das immer noch ganz gern. Unser sechster Cupcake, der eigentlich auch immer mit dabei ist, ist unser Trompeter. Die Songs funktionieren live dann auch immer auf jeden Fall mit Trompete. Das pusht das Ganze dann natürlich auch ein Stück weit nach vorne. Unsere Bläser, gerade auch der Posaunist, die machen alle eher so eine Art Volksmusik, gehen über die Dörfer und feiern sorbischen Karneval. Andere haben wir aber auch am Jazzinstitut in Berlin kennengelernt. Den Sören zum Beispiel. Das ist der Saxophonist, der bei uns eingespielt hat; der kommt ursprünglich auch aus Cottbus, ist saujung, spielt aber schon für alle möglichen Leute ein. Den haben wir da einfach auch machen lassen bei “Autumn in Major”, was dem Ganzen glaube ich auch sehr gut getan hat… oder auch das Posaunensolo bei “Quantity of Things”, das ist halt sehr frei. Und gerade auch die Bläser am Jazzinstitut in Berlin sind mit die besten Leute in Deutschland, ohne mich jetzt aus dem Fenster zu lehnen. Da schreibt man eben die Sätze vor, probt mit denen ein paar Sachen und dann finden die die cool oder haben noch zwei, drei Anmerkungen und dann läuft das eigentlich schon viel entspannter als bei Streichern, was auch live sehr schwierig zu realisieren ist, vor allem wenn die sich nicht hören…

An dieser ein kleiner Einblick in die Vergangenheit, wie es etwas angespannt live mit Streichern herüberkommt:

Dennis: Das “Großspurige” des Albums kam auch durch unser Hören, denke ich mal. Viele Songs sind zwischen 2007 und 2009 entstanden, da haben Kevin und ich zum Beispiel schon sehr viel Sigur Rós gehört, oder Elbow beispielsweise, die ja so wunderbar mit dem BBC-Orchester zusammengearbeitet haben. Und da guckt man sich durchaus mal ein paar Sachen ab und denkt “Geil, so könnte unser Song auch klingen… oder der ist eben so angelegt vom Sognwriting.” Mal gucken, bei den neuen Songs sind erstmal nur zwei mit Bläsern, aber wir haben jetzt auch gerade mit den Gitarren, Keyboards und Gesängen mehr Möglichkeiten als früher, so dass wir gar nicht mehr beim Arrangieren auf Streicher zurückgreifen müssen. Und je toller die Songs zu fünft klingen umso besser ist das auch, weil praktizierbarer.

Habt ihr euch das eigentlich sehr zu Herzen genommen, wenn die Leute gesagt haben “Böh, dem Album fehlen die Eier, das muss geradliniger sein” oder denkt ihr “Pff, ist uns eigentlich wurscht. Wir machen das, was uns hier so vorschwebt.”?

Dennis: Ich denke es ist immer wichtig, Meinungen von außen zu hören und ich gehöre auch nicht zu den Leuten, die bei negativer Kritik völlig die Ohren zu machen. Wir neben da einen Teil von auf, machen aber trotzdem unseren Kram. Ich find’s aber ehrlich gesagt auch mal schön, eine negative Kritik zu lesen und von Leuten gesagt zu bekommen “Das läuft gar nicht gut auf dem Album.”. Wenn jedoch hin und wieder was negatives oder eine durchwachsene Kritik kam, dann immer mit einem Aber versehen, zum Beispiel so: “Man hört dieses Potential heraus” oder “Man weiß, wie es ungefähr auf dem zweiten Album klingen könnte.”. Für mich ist Musikmachen ein Prozess. Tocotronic werden ihre 94er Alben sicher auch total scheiße finden, weil das musikalisch einfach nicht doll ist, aber die haben halt einen gewissen Sound und eine Ästhetik. Bei uns sind das auch auch zum Teil die Jugendstücke, die da endlich mal auf Band gekommen sind. Das ist total wichtig und ich finde das Album auch super. Also jetzt nicht so, dass ich mir das jeden Tag anhöre, aber wir sind sehr stolz auf das, was wir gemacht haben. In dieser jungen Zusammensetzung im Sommer 2010 war Max gerade mal ein halbes Jahr am Bass, da war es natürlich umso schwieriger, diesen Livesound, und ich denke auch das ist das was uns ausmacht, auf Band zu kriegen.

Ich finde schon, dass ihr auf dem Album wie ein eingespieltes Team klingt.

Dennis: Nach vielen Bassisten, die wir in der Band hatten – ganz kurz sogar mal Joachim Deutschland! – haben wir dann einfach Pauls Bruder reingenommen. Der war zwar “nur” Keyboarder, aber was der mittlerweile alles auf dem Bass hinlegt ist beachtlich. Wir hatten teilweise wirklich verdammt gute Bassisten, die aber alle Einzelgänger waren und an sich gar nicht in die Band gepasst hätten. Das wichtigste neben der Musikalität eines jeden einzelnen ist dass man sich in der Band versteht und respektiert und das das Ganze ein Gebilde ist. Wir sind zwar alle sehr verschieden, aber es passt super zusammen. Zum größten Teil sind das Kevins, Sladys und meine Songs, aber die anderen beiden haben immer sehr enthusiastisch mitgemacht.

Die Ideen auf diesem einen Album hätten locker für zwei gereicht. Schon bei “(In Brackets”) hatte ich eigentlich das Gefühl, dass mal eine kleine Pause im Ideenreichtum einfach angebracht gewesen wäre. Eine Pause in dem Sinne, dass mal ein ruhiges Zwischenstück hätte kommen können, etas zum Durchatmen. Du sagst zwar selbst, dass es großteils ruhige Stücke auf dem Album sind, aber es passiert halt doch immer recht viel, auch wenn sie ruhig sind. Manchmal ist es vielleicht auch etwas sehr viel Gesang. Ich weiß nicht, ob man da prinzipiell zeigen muss, was da alles möglich ist!? Klingt an vielen Stellen, als wäre Kevin der Hauptsongschreiber, vom reinen Horgefühl her, weil so große betonung auf dem Gesang liegt. Manchmal ist es etwas anstrengend, zu viel Gesang zu haben. Wobei der Kevin aber auch wieder eine super Stimme hat, die ich so auch vorher noch nie im Rockbereich gehört habe.

Dennis: Das ist denke ich mal einfach eine Geschmackssache. Ich kann mir auch tagelang Alben von Mogwai anhören, aber jede band muss sich ja auch durch irgendwas ein bisschen auszeichnen und ich denke schon, dass bei uns auch ganz viel von den Melodien her passiert. In der Musikkultur passiert ja vieles nur noch rhythmisch. Von uns geht eben sehr viel von Melodie und Harmonie her aus und das macht uns vielleicht auch über die nächsten Jahre ein Stück weit eigen. Es ist einfach ziemlich natürlich so passiert.

Schauen wir mal in die Zukunft. Was ist denn noch so für dieses Jahr geplant?

Dennis: Wir sind gerade dabei, einiges ein bisschen “outzusourcen” und kümmern uns nicht mehr ganz so viel um alles. Es ist schön, so langsam einen Stab an Leuten um sich herum zu haben, die wirklich toll für einen arbeiten. Dann können wir uns mehr um uns, ums Musikmachen, kümmern. Mit der richtigen Konzertreise wird es erst ab April losgehen. Chemnitz ist eben jetzt noch ganz schön, weil es direkt nach den Releasekonzerten kommt und mit usnerer befreundeten Band Playfellow stattfindet, mit denen wir jetzt schon fünf oder sechs mal aufgetreten sind. Da freuen wir uns wieder sehr drauf, weil wir schon mal akustisch in Chemnitz waren, dann mit dem Lyrikprojekt und auch mal als Vorband von Playfellow. Auch von der Stadt und von den Leuten her hatten wir immer einen tollen Eindruck. Von der Mentalität entspricht’s ja auch so ein bisschen Cottbus! Sehr heimisch… Wir haben live viel zu erzählen und freuen uns, das nun ausleben und Erfahrung sammeln zu können.

Du hattest vorhin schon mal das Lyrikprojekt mit Faina Machanowa erwähnt. Ist es angedacht, so etwas in der Art auch künftig wieder auf die Beine zu stellen oder gar das Ganze in eine zweite Runde zu führen?

Dennis: Zur Zeit konzentrieren wir uns erst einmal auf die Band an sich. Wir wollen vom Songwriting her erst einmal wieder zu den Basics zurück und Musik machen, weil es gerade wirklich in eine tolle Richtung geht und wir glauben, dass uns ein zweites Album vermutlich in zwei Jahren gut zu Gesicht stehen würde. Dennoch sind wir total offen für solche Sachen. Gerade das Lyrikprojekt mit Faina hat uns musikalisch auch einen großen Schritt nach vorn gebracht. 2009 waren wir auch in Israel und haben dort vor Ort mit israelischen Musikern drei, vier Songs arrangiert und live performed. Solche Erfahrungen bringen einen in fünf Tagen mehr als alles andere. Andererseits interessiert uns auch alles was Richtung Theater passiert. Wir haben jetzt auch in Cottbus was zum Soundtrack zu diesem Coming-of-age-Film “Blaue Stunde” beisteuern können. Das Musikvideo steht auch im Internet. Wir sind froh, da mitgemischt zu haben, war sehr interessant. Unser Gitarrist Paul ist auch Verlagschef von einem Theaterzeitungsverlag, ich studiere Germanistik, Bassist und Schlagzeuger sind Japanologen und Kevin, unser Sänger, arbeitet gerade in der Technikabteilung der Schaubühne. Ja, gerade in Richtung Theater sind wir sehr, sehr interessiert und hoffen, dass wir da irgendwo mal hereinrutschen. Wir werden sehen, dass wir da in Zukunft auch immer mal über den eigenen Tellerrand gucken werden.

Danke Dennis! Ich bin vor allem gespannt auf die neuen Songs, die es bald live zu hören geben wird.

Hier die vorläufigen Termine für euch Interessierte:

Feb 10: SPRINGS @ weltecho /w playfellow
Chemnitz, GERMANY

Mrz 2: SPRINGS/acoustic @ BACHBETT /w Kapelle Weyerer
München, GERMANY

Mrz 30: SPRINGS @ LOUIS
Hamm, GERMANY

Apr 20: SPRINGS @ KAJÜTE RATZDORF
Neißemünde, GERMANY

Offizielle Do I Smell Cupcakes? Webseite: www.doismellcupcakes.com

Mouse On The Keys kommen aus Japan und können ihre Liebe zu Synthesizern und schwarzen und weißen Tasten nun wahrlich nicht verbergen. Am 13. März gaben sie ihr vorerst letztes Deutschland-Konzert im Chemnitzer Weltecho, einer guten Adresse für Jazz in der Stadt, wobei dieser Auftritt mal ausnahmweise nicht der hübschen Jazz Your Ass-Veranstaltungsreihe angehörte. Das Trio (Keys, nochmal Keys und wahnwitzige Drums) wird ergänzt um Trompete und Soundgoodies aus dem Mac; Bass und Gitarren braucht’s dabei nicht, denn Mann und Maus an den Tasten beherrschen ihr Element, nur hin und wieder ein Blickkontakt zwischen den Musikern, ansonsten zeigen die Männer aus Tokyo, dass sie bereits vorm Erscheinen des ersten Mouse On The Keys-Albums echte Profis, wenn auch mit unterschiedlicher musikalischer Vergangenheit sind.

Die 10″ “Sezession”-EP spielten sie in Gänze, außerdem ein neues Stück vom kommenden Album “An Anxious Object”, das in Europa über Denovali/Cargo am 15. April erscheinen soll. Man darf gespannt sein und hier hin und wieder vorbeilesen.

Und noch etwas: Demnächst gibt’s hier übrigens endlich mal das Blueneck@Weltecho-Schmankerl, das im Februar stattfand…

Mehr Mouse On The Keys?
@Myspace oder @Denovali

Steht man als Neuling vor der schier gewaltigen Zahl an Veröffentlichungen, sind gewisse Orientierungspunkte und Trittsteine vonnöten. Jan Garbarek bietet sich hierfür nicht nur wegen seiner weit zurückreichenden Beziehung zum Label an, sondern auch wegen seinen zugänglichen Kompositionen, die gleichzeitig in vielerlei Hinsicht eine gewisse Zusammenschau für ECM charakteristischer Elemente wie der nordischen Weite und der melancholischen Seele darstellen. Dagegen repräsentiert Nik Bärtsch mit seinen Ronin genannten Mitmusikern eine ungewöhnlichere Stilistik, die auf den Namen Zen Funk hört. Hier fusionieren hochgradige Präzision, meditative Rhythmik und ein aus der ostasiatischen Kampfkunst stammendes Selbstverständnis. Aus unscheinbaren Motiven werden auftürmende Module gewoben, bei denen das Zusammenspiel der Musiker im Vordergrund steht und gerade dadurch den Blick auf die Entwicklung der Lieder freimacht.

Wer das melodische Pianospiel von dem großen, 2008 verstorbenen Esbjörn Svensson vermisst, wird in Tord Gustavsen mit seinem Trio keinen Ersatz, aber einen Trost finden. Denn der norwegische Pianist breitet elegische Harmonieflächen aus, auf denen melodische Figuren gedeihen, während Bass und Schlagzeug den mal sanft fließenden, mal aufbäumenden Pulsschlag liefern.

Schon beinahe als ECM-Hausmusiker – seit nunmehr fast 20 Jahren ist er im Kader des Labels – kann der Tunesier Anouar Brahem bezeichnet werden. Der Oudspieler und Komponist vereint unprätentiös zeitgenössischen Jazz und traditionelle orientalische Musik, ohne sich dabei mit seiner Kurzhalslaute in den Vordergrund zu spielen. Das hebt ihn ab von vielen anderen Crossover-Künstlern, die betont den „Culture Clash“ anhand einer möglichst bunt zerwürfelten Instrumentenvielfalt darstellen wollen. Brahem setzt auf ausgeklügelte, fließende Arrangements, die ein dichtes, oft melancholisches Gesamtbild zeichnen. Das Händchen für gute Kompositionen ist wohl auch seiner Vergangenheit als Tondichter für diverse Filme und Bühnenstücke zu verdanken. Bester Beweis für das klangdramaturgische Talent Brahems ist wahrscheinlich sein jüngst erschienenes traurig-schönes Album „The Astounding Eyes of Rita“.

Doch das ist nur ein winzig kleiner Abriss einer über Jahrzehnte hinweg konstant höchstqualitativen Werkpalette des Münchner Labels. Eine vollständige Übersicht findet sich auf www.ecmrecords.com.

Man erkennt die meisten Werke im CD-Regal übrigens an der charakteristischen Aufmachung: Nicht selten wird der Hörer schon beim Cover in alltagsferne Klangwelten geführt: Düsterschöne Landschaften gespickt mit lichternen Hoffnungsschimmern malen den Weg in die audiophilen Hörgenüsse voraus… einen Weg, den dieses ganz besondere Label hoffentlich noch lange Zeit in dieser Qualität weiterverfolgen wird.

Den Anfang der Jazzorgie, die unter dem Banner des “Jazz Your Ass” stattfand, machte die FUNDAMENTALE RHYTHMUSMAßNAHME aus Chemnitzer Gefilden. Das ein oder andere Gesicht ist mir noch aus den regelmäßig stattfindenden Jam Sessions im Weltecho bekannt. Eine knappe halbe Stunde überzeugte das Trio an Bass, Synthesizern und Drums. Hin und wieder kam eine gedämpfte Trompete mit Hall ins Spiel; die kühle Elektronik mit Drone-Elementen unterstützte diesen distanzierten Effekt und das klirrende Drumming tat sein Übriges, um die Kompositionen in ihrer Weite und Kühle sehr nordisch klingen zu lassen. Breitbandkino und wohlgeformter Surroundsound selbst in der ersten Tischreihe sorgten für eine optimale Einstimmung in den Abend.

Weitaus freundlicher, wenn auch mit melancholischer Note, präsentierten sich BENJAMIN FAUGLOIRE und seine beiden Mitstreiter Denis Frangulian und Jerome Mouriez. Den zugänglichen Piano Jazz, angekündigt stets in einem freundlichen Deutsch-Englisch-Gemisch, könnte man fast schon als Pop Jazz bezeichnen: Schnell gehen die Stücke des zweiten Albums “Premiere Nouvelle” ins Ohr und erinnern vielerorts an die verspielten Tastenjazzer Tord Gustavsen oder Lenni-Kalle Taipale. In der Konzertankündigung wurden gar Vergleiche zum verstorbenen Esbjörn Svensson gezogen… und ganz so unrecht hatte man auch hiermit nicht. Speziell gegen Ende hin wurde die Musik verträumter und zog in einen homogenen Sog aus subtiler Perkussion und leichtfingriger Herbsttänzelei. Insbesondere den Tastenfronter selbst hat es emotional vollkommen weggetragen: Kindlich verspielte Mimik mit lebhaftem Blick, offenem Mund und freudigen Zuckungen durch den ganzen Leib… Sein Bassist litt, sang einzelne Töne mit den Lippen mit, zauberte Walking Bass-Läufe mit einem unglaublich leichten, gefühlvollen Anschlag auf seinen Fender Jazz Bass…

Knapp zwei Stunden spielte das Trio fürs jubilierende Chemnitzer Publikum und war sichtlich gerührt von den freudigen Reaktionen und Zugabeforderungen. Man kündigte an, nächstes Jahr gern wieder zu kommen… Chemnitz war die Auftakt-Veranstaltung der kleinen Deutschland-Tour dieser Tage. Heute Abend gastiert das Project im Alten Gasometer Zwickau bevor es gleich für drei Termine in unsere Hauptstadt geht:

17.10.09 – Zwickau, Alter Gasometer
18.10.09 – Berlin
19.10.09 – Berlin
20.10.09 – Berlin
22.10.09 – Leverkusen, Topos

>> Benjamin Faugloire [Project] @ Myspace: http://www.myspace.com/benjaminfaugloireproject
>>> Jazz your Ass @ Weltecho, Chemnitz: www.myspace.com/jazzyourass

Erstaunlich viele Leute hatten sich zur späteren Stunde um 22:30 Uhr im Subway to Peter eingefunden, wohl eher neugierig als wissend, was die da erwarten würde. Die ca. 80 Besucher des gemütlichen Kellers (mehr passt da wohl auch nicht rein) bekamen eine gute Stunde jazzgetränkten Skapunk, oder eher ska-pumpenden Swingjazz -wie man es auch nennt, die Japaner nennen es bescheiden einfach “neo pop” – geboten, den die gut aufgelegten Tokyoten mitreißend zelebrierten. Der kleine Posaunist bewies schweißgetränkt den längsten Atem, der Nintendo-Style-Keyboarder die schickste Brille der Saxophonist das größte Kauderwelsch. Die Band hatte zwar was von der japanischen Freundlichkeit und bedankte sich nach jedem Song mehrmals ausgiebig, doch das auf eine kindlich-freche Art und Weise in euphorisch gebrülltem Denglisch-Singsang, dass man sich ein breites Grinsen einfach nicht verkneifen konnte. Auch der kurze Mitsingpart fürs Publikum durfte natürlich nicht fehlen. Ansonsten wars eher schwingender und jazzender als rockig, aber immer gut tanzbar. Auch vor sexy Bossa Nova machte die Kombo nicht halt. Bei dieser unvorhersehbaren, aber immer nahtlos ineinander übergreifenden Stilmischung gepaart mit viel guter Laune und einer gewissen Selbstironie – einige Japaner sind sich echt für nichts zu schade – verwunderte es nicht, dass die neue CD “Clarice’s Vacation” schnell in meinem Gepäck landete.

Nächstes Jahr wollen die sechs Grinsekuchen für mehr “German beer and sausages” wiederkommen. Da ihnen der Auftritt in Chemnitz auch sichtbar Spaß machte und die Band gerührt auf die lautstarken Forderungen nach Zugaben reagierte, besteht für all jene die dieses Ereignis verpasst haben, durchaus die Chance, dass sich Sakeno Sakana Orchestra einmal wieder ins nachtschlafende Chemnitz verirren werden. Denn ja, in Chemnitz werden in der Woche die Bürgersteige zwar um 20 Uhr hochgeklappt, doch ab einer unbestimmten Zeit ab 22 Uhr werden sie in der Peterstraße wieder heruntergelassen…

~ Sakeno Sakana Orchestra @ Myspace: www.myspace.com/sakenosakana

Die frühen 70er waren gute Jahre, zumindest in Sachen Musik. Gern wäre ich eine unvergessliche Note – vielleicht auch ein kleines Thema, wenn der Wunsch nicht zu vermessen klingt – in einem der großen Konzeptalben, die damals von Emerson, Lake and Palmer oder Yes veröffentlicht wurden. In nur 20 Takten im Stück “Eruption” von ELPs “Tarkus”-Album vom 10/8- zum 3/4-, wieder zum 10/8- und schließlich zum 4/4-Takt, wer möchte da nicht gern das markante Ostinato sein? Oder eine vertrackte Synkope aus Yes’ “Close to the Edge”, unvergesslich und ein wichtiges Teil des Ganzen, wo alles seinen richtigen Platz hat und einem genau ausgetüftelten Konzept zugrunde liegt?
Ironischerweise wurde ein paar Monate später, nämlich im März 1972, ein Album namens “Thick as a Brick” als Verballhornung dieser beiden verkopften Konzeptklumpen erschaffen…

Und diese Persiflage – “but in a nice way” – beginnt dann auch ganz “unprogressiv” in so einer locker-liedhaftigen Laune, die von nichts und niemandem besser intoniert werden könnte als von sorglosem Akustikgitarrengeklampf, einer fröhlich-naiv klingenden Querflötenmelodie und Ian Andersons spöttelndem Gesang:

“Really don’t mind if you sit this one out…” [0:09]

…Denn immerhin dauert dieser eine Song knappe 44 Minuten, was in der Rockgeschichte den ersten einzelnen Track dieses Ausmaßes darstellt. Logischerweise wurde “der Titeltrack” zum damaligen Zeitpunkt dann auch auf beide LP-Hälften gesplittet.

Jethro Tull – Thick As A Brick (1972)
Ein anderer Grund für die Enstehung eines Konzeptalbums war die Tatsache, dass viele Kritiker das 1971 erschienene Tull-”Durchbruchsalbum” “Aqualung” als Konzeptalbum verstanden, obgleich Bandkopf Ian Anderson den Hithaufen lediglich als “bunch of songs” abtat. (Audio-Interview auf der 1998 erschienenen remasterten CD-Edition von “Thick as a Brick”) Klar, dass Tull dann mal beweisen mussten, was nun wirklich ein Konzeptalbum ist! In selben Interview geht man dann sogar so weit, nicht ohne großes Augenzwinkern in den eigenen Worten, “Thick as a Brick” als “mother of all concept albums” zu bezeichnen. Die Intention war, sowohl in Musik als auch Text komplex und irritierend zu sein… Gelungen? Aber ja, denn auf unsere liebevolle, songwriterisch einfache Einleitungsmusik folgt ein jazzig-rockendes (Instrumental-)Inferno [03:00]: frech und wild orgelnd, stromverzerrt riffend, maschierend getrommelt und geleitet vom vollmundig groovenden Bass und der spielerisch umherwirbelnden Querflöte schaukelt sich der Fünfer zum nächsten Höhepunkt hinauf:

“The poet and the painter casting shadows on the water
as the sun plays on the infantry returning from the sea.
The do-er and the thinker: no allowance for the other
as the failing light illuminates the mercenary’s creed…” [06:08]

Was darauf folgt bevor es wieder zum gleichen Thema mit anderem Text zurückkehrt, klingt sowohl wild als auch gut ausgetüftelt, fröhlich und doch so voller musikalischer Finesse, kindische aber geniale junge Männer waren hier am Werk. “We were in kind of a silly state of adult development” gab Gitarrist und Tull-Urgestein Martin Barre mal zum Besten. Da verwundern dann nicht die sturm-und-drängerischen Worte

“…I’ll judge you all and make damn sure that no-one judges me!” [15:30]

Doch so durchdacht und perfekt arrangiert diese Musik durchweg anmutet, “Thick as a Brick” wurde in ziemlich hastiger Manier geschrieben, wie Ian in einem 1997 geführten Interview verlauten ließ. So buchte die Band schon das Studio in London-Bermondsey ohne überhaupt die Musik ansatzweise fertig zu haben. Das Resultat: Mr. Anderson komponierte jeden Morgen zwei bis drei Stunden lang, zog danach damit in den Proberaum um das Ganze mit den Bandkollegen auszuprobieren, Stück für Stück und Tag für Tag, und etwa zwei Wochen später ging es dann ins Studio, wo alles nicht minder Hals über Kopf, zum Teil auch improvisiert, in etwa zehn Tagen aufgenommen wurde…

Spätestens nach den ersten 21 Minuten, nämlich Am Ende der A- und zu Beginn der B-Seite merkt man in einem langen Free Jazz-Teil – für viele vielleicht Geschmackssache, ich find ihn von vorn bis hinten fantastisch! – dass einiges einfach improvisiert sein MUSS. J-Tull sind jedoch so begnadete Musiker, dass es trotzdem nicht so klingt, als überließe man den Verlauf des Geschehens dem Zufall. Hier gibt’s die volle Packung: feurige Drumsoli, Einsprengsel bekannter Motive der ersten 20 Minuten, fetzige Saxophon-Intermezzi, wirres Gelaber, stille und laute “und-nun-mal-alle-Miteinander”-Momente bis es dann wieder zum leichtfüßigen Akustikgitarrenmotiv des unmittelbaren Songanfangs geht [26:40] und sich ein weiteres Highlight anbahnt:

“The legends (worded in the ancient tribal hymn)
lie cradled in the seagull’s call.
And all the promises they made are ground beneath the sadist’s fall.
The poet and the wise man stand behind the gun,
and signal for the crack of dawn.
Light the sun.

…Do you believe in the day?” [28:35]

In den Zwischenräumen dieser Zeilen ist die wohl größte Spannung des gesamten Stückes zu finden. Das rasante Tempo der verrückten Jazzpassagen ist vergessen, man wähnt sich beinahe in einem völlig anderen Album: rein akustisch, mit gespenstisch zitternden Flöten, kruden Bassläufen und einem Schauerwald-Cembalo verteilen Tull Gänsehaut am laufenden Band, und das über mehr als fünf Minuten hinweg! Noch lange hallen Ians prophetisch gesungene Worte “Do you believe in the day?” nach…

Die frühen 70er waren gute Jahre, auch in Sachen Humor. Und an dieser Stelle muss man dann doch mal auf das zugrunde liegende “Konzept” zu sprechen kommen, wenn man schon über einen Meilenstein schreibt, der sich selbst “mother of all concept albums” schimpft. Humoristisch ist das Konzept vor allem, da Tull ziemlich überzeugend Kritiker und Fans in dem Glauben ließen, ein Wunderkind namens Gerald Bostock habe mit einem überlangen Gedicht (eben der “Thick as a Brick”-Liedtext), den lyrischen Grundstock für dieses Album gelegt. Und liest man sich dieses voller Metaphern und Bilder fast frei interpretierbare Gedicht durch, so erhält man zwar kaum einen roten Faden, bekommt jedoch vielerorts einen besonders britischen Humor mit auf den Weg:

“So! Come on ye childhood heroes!
Won’t your rise up from the pages of your comic-books
your super-crooks and show us all the way.
Well! Make your will and testament.
Won’t you? Join your local government.
We’ll have Superman for president
let Robin save the day…” [18:40/40:50]

Nicht umsonst beruft sich Textmeister Anderson auch auf den kultigen Monty Python’s Flying Circus, dessen 45 Fernsehfolgen zwischen 1969 und 1975 entstanden. Ganz in diesem Stile ist außerdem das aufwändige Booklet gestaltet. Wobei Booklet bei einer Schallplatte sowieso die falsche Bezeichnung ist, hier liegt uns nämlich eine 12-seitige Zeitung vor, die “St. Cleve Chronicle”, die laut Ian “auf-einem-Bein-steht-sich’s-doch-ganz-gut” Anderson in ihrer Produktion mehr Zeit in Anspruch genommen hat als die eigentliche Musik: British Humour-Wortspielen, witzige Seitenhiebe auf den Text und natürlich Gerald Bostocks Gedicht selbst erscheinen neben vielen scheinbaren Sinnlosigkeiten… Bei der LP-Ersteigerung muss man unbedingt darauf achten, die “Zeitungsedition” (Erstpressung!) zu ergattern, gerade ging eine bei Ebay für 53,34 € weg… Dann kann man nämlich auch mal, ganz im Gegensatz zum piepelig kleinschriftigen CD-Booklet, auch wirklich jeden Beitrag lesen. Eine Art Running Gag ist da der Hase, dem besondere Zuwendung im Zeitungsartikel “Do Not See Me Rabbit” von John Evans zuteil wurde. Ansonsten sind für die Zeitung zu etwa gleichen Teilen Ian Anderson und Bassist Jeffrey Hammond-Hammond verantwortlich. Das Ende vom Lied, der Kreis wird geschlossen und es findet zum beschaulichen Anfangsthema zurück, möchte ich euch natürlich nicht vorenthalten:

“So you ride yourselves over the fields
and you make all your animal deals
and your wise men don’t know how it feels
to be thick as a brick.” [43:15]

Jethro Tull, übrigens benannt nach einem britischen Bauern, der 1701 die Drillmaschine erfand, sind mit diesem Album der beste Beweis: Man darf auch lachen im Progressive Rock… Man darf auch lachen über Progressive Rocker: John Evan beispielsweise trug während der Konzerte häufig ein Kaninchenkostüm – wir erinnern uns an den Nager in der Zeitung. John trank auch während der drei- bis vierstündigen Livesets ganz gern mal ein paar Bierchen. Klar dass man da auch mal aufs Örtchen muss. Statt mal ein Päuschen zu machen, ging der Herr, der sonst für Piano-, Hammondorgel und Cembalo-Klänge verantwortlich ist, ins Dunkel des hinteren Bühnenbereiches und pinkelte in leere Bierdosen… die eines Abends auf mysteriöse Weise umgeschubst wurde und das Hasenkostüm unflätig beschmutzte, was Mr. Evan dann später am eigenen Leibe erfuhr…

Ja, 1972 war ein gutes Jahr. Da gab’s auch in der Bravo-Ausgabe 45 ein Superposter von Ian Anderson (siehe oben), Star des Monats November und im April gar eine famose Titelstory: “…BRAVO hat die Boys 24 Stunden erlebt…“, man beachte dort den kleinen Absatz “Morgenstund hat Gold im Mund”…

Die Musiker- und Fangemeinde rückte zusammen, hier und da ein Gesicht solch vielversprechender Bands aus der Region wie Mourning Rise, Hidden in the Fog, Aggressive Mind oder den schon etablierten Disillusion im Publikum… Alles wartete gespannt, vor allem auch auf die Kandidaten, welche die mittlerweile zum Trio geschrumpften DARK SUNS komplettieren sollten. Nun, im Endeffekt hab ich nur einen zuvor mal gesehen: Bassist Micha war zumindest schon einmal im Oktober 2006 beim Leipziger Warrior Rock Dark Suns-Sessionbassist… Nein, leider kein Kristoffer Gildenlöw von Pain of Salvation am Bass, der den Sonnen auf “Grave Human Genuine” so kunst- und druckvoll aushalf. Einen neuen Keyboarder (zumindest wohl erst einmal für Livezwecke) haben sie sich auch geangelt, großes Interesse lenken jedoch bei beiden Percussionistas auf sich. Einer ist, wie ich mir von unserem Fotografen hab sagen lassen, der Nico von Mourning Rise. Doch zunächst wurde keiner so richtig gefordert, denn die Hälfte vom eröffnenden “Amphibian Halo” kam zu mindestens 66,6% vom Band. Nunja, ging vielleicht nicht anders… Doch eines muss man der trip-hoppige Nummer vom neuen Rundling lassen: Sie ist absolut intro-tauglich und spannungsaufbauend und erstes Zeugnis der gut ausgetüftelten Setlist des Abends, die gelungermaßen sowohl “Existence”-Stücke als auch das gesamte “GHG”-Album und so manche Überraschung beherbergte…

Doch nicht nur “Amphibian Halo” brachte interessante neue Nuancen in die stets als sehr mitreißend bekannte Liveperformance der Leipziger. So brillierte beispielsweise ein kurzes jazziges Zwischenstück mit zwei(!) Bassisten. Das nennt man gerade in Leipzig einen Luxus, da es ja bekannt ist, dass selbst die “Lokalmatadoren” Disillusion schon ewig (eigentlich schon immer?) ein festes Mitglied für die tiefen Regionen suchen. Und da ward eben bei diesem Dark Suns-Zwischenstück mit Jakob, der auch schon eher am Abend ein paar Einzelauftritte hatte, ein zweiter Basser auf der Bühne, was natürlich extrem fett ankam, vor allem weil’s auch gern mal fretless sein durfte. Und das im Stehen, im Sitzen, im Schlafen… Ich verstehe, dass ein Basser irgendwie cool sein muss, aber der Jakob (im Kappu UND Jacket in der geheizten UT!) wirkte mir doch recht unterkühlt und kaum an der Bandstimmung beteiligt. Bei aller spielerischen Fähigkeit, so richtig passt meiner Meinung nach keiner der beiden Bassisten ins Bandgesamtbild. Aber das kann und sollte natürlich nur die Band selbst intern entscheiden…

Der Coversong einer Band namens Elbow beendete die relaxte, jazzig-proggige Phase und sorgte für besonders ruhige Töne von sitzenden Musikern, mal zur Abwechslung mit Maik als Leadsänger. Für mich war gerade da ein Zeitpunkt erreicht, bei welchem der Spannungsbogen aufgrund zu vieler ruhiger Stücke einzustürzen drohte, was jedoch rechtzeitig mit dem klasse “GHG”-Opener “Stampede” und dem krassen “Flies in Amber” gerade rechtzeitig abgewendet wurde. Beim Bernsteinfliegensong war der Jubel ensprechend groß, als Disillusion-Andy, mit einer dritten E-Klampfe bewaffnet, die Bühne enterte und die mächtigen Growls abfeuerte, die schon als Gastbeitrag auf dem neuem Dark Suns-Rundling so entzückten. Dieser Punkt, zum Bersten gefüllt mit so viel Leben auf der Bühne, markierte eines der Highlights des Abends…

…eigentlich nur noch übertroffen von “The Chameleon Defect”. Ich hatte schon den “King Basser”-Pandabären vom Merchstand mit einem Gastauftritt erwartet, doch es kam noch viel besser: Das wahnwitzige Instrumental mit dem unbeschwerten “Keyboard-rauf-und-runter” und den fast schon schwarzmetallischen Blasts wurde dank eines Gastauftritts vom rollerfahrenden Albert Einstein himself sowie eines anderen hässlich-Maskierten, dessen Entsprechung sich mir nicht erschloss, zu einer sehr ausgelassenen Sache… vielleicht eine satirische Homage an die verkopfte und vielerorts sich selbst sehr ernst nehmende Prog-Gemeinde, vielleicht ein Heiratsantrag an Ayreons aktuelle Nummer “E = mc²”, vielleicht aber auch nicht und man wollte einfach nur ein bisschen “Entertainment XXL” zu später Stunde verbreiten.

Danach widmete man sich wieder ernsteren Dingen: Mit “Patterns of Oblivion” wurde (wie immer eigentlich) der letzte offizielle Livesong eingeläutet, hach schön. “GHG” mag zwar kreativer und vielseitiger sein, doch mir persönlich sagt auch nach etlichen Hördurchgängen des neuen Albums die zweite Platte “Existence” mehr zu. Auch kam es mir vor, als wäre der Rest des Publikums bei den “Existence”-Nummern mehr abgegangen – über Jahre lieb gewonnen oder einfach emotionaler? Zu erwähnen, dass der Kern der Band stets in der eigenen Musik voll aufgeht (Niko trommelt mit Präzision und singt zeitgleich passioniert in jeder Stimmungslage, Torte post wie immer mit jeder Faser und Maik: träumerischer Blick, der stille Genießer), ist wohl überflüssig… Drei Zugaben, unter anderem das Urgestein “Swanlike” vom Debüt, rundeten die Sache dann optimal ab. Somit war der Eintritt von läppischen 8 Euro angesichts der ungefähr drei Stunden guter (Bleak Origin) bis hervorragender (ja, wer wohl?) Livedarbietung absolut weise investiert, ohne Längen und unangenehme Zwischenfälle, kurz gesagt:

Gefühlvoll, gekonnt und gewitzt… also rundum gelungen! Und vergesst nicht: Seit dem 22. Februar ist “Grave Human Genuine” fast überall erhältlich. Eine ausführliche Besprechung des Albums wird ebenso folgen wie auch ein Gespräch mit der Band, also dranbleiben und derweil nochmal die ganze Setlist studieren:

DARK SUNS Setlist

01. Amphibian Halo
02. Her and the Element
03. You, a Phantom still
04. Rapid Eyes Moment
05. Thornchild
06. Daydream
07. Anemone
08. Jazz Interlude
09. Free of You
10. 29
11. Elbow Cover
12. Stampede
13. Flies in Amber
14. The Chameleon Defect
15. Patterns of Oblivion
———
16. Swanlike
17. The Euphoric Sense
18. Papillon

Homepage: www.darksuns.de

…driven by the unholy power of mighty Voodoo-Udo:

Katrin Kropf – Text
Michael Gebhardt – Fotos

PS: Übrigens habe ich die besagte und mehrmals schon gelobte Setlist mitgehen lassen (mein höchst konstruktiver Beitrag zum Bühnenabbau…). Wer sie zurückhaben möchte: Ich habe sie bereits mit Herzchen und Sprüchen wie “Torte, ich will ein Kind von Niko und Maik” sowie kleinen winkenden Zaunpfählen verziert… Höchstbietende?

Mit diesen Gedanken in meinem Kopf waren die ersten Höreindrücke von “Collision” dann allerdings etwas befremdlich, um nicht zu sagen schockierend. Ehrlich gesagt hatte ich anfangs eher das Gefühl einer äußerst hektischen Metalcore-Platte zu lauschen anstatt der erhofften feinsinnigen Jazz-Death-Abfahrt. Also flog die Scheibe erstmal in die nächstbeste Ecke.

Ein paar Wochen später beschloss ich schließlich, C-187 noch eine Chance zu geben, denn eigentlich war mein Vertrauen in die Fähigkeiten der beteiligten Musiker größer als meine spontane Abneigung gegen die sehr modernen Rhythmen und Brüllgesänge. Dreizehn Jahre war Projektinitiator Mameli nach dem traurigen Ende von Pestilence völlig untergetaucht, und ihr könnt mir glauben, seither ist eine Menge Wasser den Rhein runter geflossen. Somit wäre es auch fast schon eine Beleidigung, von einem so begnadeten, innovativen Musiker eine Art Retro-Scheibe zu erwarten. Mameli sagt selbst, dass er zwar immer noch ein großer Death Metal- und Jazz-Fan ist, was man “Collision” übrigens auch durchaus noch anhört, aber inzwischen auch von gänzlich anderen Sounds wie harten, aggressivem Gangsta-Rap oder groovig-metallischem Hardcore angetan ist. Gibt man nun die Erwartungshaltung und das Schubladendenken an der Garderobe ab und betritt die Welt von C-187 noch einmal unvoreingenommen, entdeckt man tatsächlich unheimlich viel Faszinierendes, enorm Raffiniertes und musikalisch Geniales. Death-Metal-Einflüsse sucht man zwar weiterhin vergebens, doch mit komplexem, intensivem Groove-Thrash ist die Musik in erster Näherung wohl gut beschrieben. Ziemlich coole, teilweise extrem verzerrte Jazz-Motive funkeln aus diesem Inferno durchaus hervor. Sie treffen auf die Kompromisslosigkeit und Durchschlagskraft von Meshuggah, die hektische Kopflastigkeit früher System Of A Down und das Irre und Abgedrehte von Acts wie Dog Fashion Disco. Und Sean Reinert trommelt mal wieder wie von einem anderen Stern. So entsteht eine zunächst arg sperrig wirkende, aber mit der Zeit immer interessanter, schlüssiger und mitreißender werdende Musik, die sehr lebendig, bei aller Extravaganz doch äußerst kompakt und sicher in dieser Form völlig einzigartig ist.

Ziemlich harter Tobak ist “Collision” also und sicherlich nichts für Zartbesaitete und Traditionalisten. Wer mal wieder Lust hat auf ein musikalisches Abenteuer der brachialen Art, dem sei diese Platte wärmstens empfohlen. Idealerweise sollte man ganz ohne feste Vorstellungen an den Sound von C-187 heran gehen und sich einfach überraschen lassen. Eine gewisse grundsätzliche Offenheit für neumodische Klänge ist dabei auf jeden Fall notwendig. Und ich selbst gebe auch offen zu, dass ich im Zweifel auch heute noch Überscheiben wie “Spheres” von Pestilence, “Unquestionable presence” von Atheist oder “Focus” von Cynic vorziehe. Das hindert mich allerdings nicht daran, die Musik von C-187 als großartig und visionär zu bezeichnen.

Nachdem uns Richie mit “Slow” (2002), “Change” (2003) und “Get up” (2004) exzellente Werke voller Spielfreude, Leidenschaft und Virtuosität geschenkt hatte, blieb das letztjährige Album “Into the black” etwas hinter den Erwartungen zurück, weil das Songwriting streckenweise recht konservativ ausfiel und die feinsinnige Raffinesse ein bisschen zu kurz kam. Doch dieses kreative Schwächeln war nur von kurzer Dauer, wie nun Richies neues Album beweist, das in Europa über Frontiers Records unter dem Titel “The return of mother head’s family reunion” erscheint. Mir liegt die amerikanische Fassung von Headroom Inc. Records vor, die den Titel “Go faster” trägt und mit der europäischen im Prinzip identisch ist, außer dass ihr das Lied ‘Drift’ fehlt – Euro-Bonus-Track halt. Der Einstieg in die Platte gelingt mit dem Titeltrack, einem saucoolen funky Hard Rocker, ganz hervorragend, die Nummer reißt einen sofort mit und räumt mit einem prächtigen Chorus ordentlich ab. Das atemlose, unter die Haut gehende ‘You know that’ schlägt in dieselbe Kerbe. ‘Fooled again’ ist eine entspannte, verspielte Nummer zwischen Rock und Soul, während ‘Faith’ als hübsche Ballade daher kommt, die wie auf Mr. Big zugeschnitten wirkt. Es folgt mit ‘Bad things’ der wohl beste Song der Scheibe, ein grandioses, schweißtreibend intensives Groove-Monster mit einem unwiderstehlichen Aerosmith-Chorus: so etwas gehört eigentlich in die Charts!

Spätestens hier hat RICHIE KOTZEN mich längst wieder auf seine Seite gezogen. Mit “Go faster”, alias “The return of mother head’s family reunion”, hat er ein Album am Start, das zu den Glanzlichtern seiner an Highlights wahrlich nicht armen Diskographie zählt. Alle Stärken seiner Musik kommen hier gebündelt und verdichtet zur Geltung, Fans von zum Beispiel Aerosmith, Van Halen und den früheren Arbeitgebern des Meisters kommen voll und ganz auf ihre Kosten. Betont sei nach dem detaillierten Loblied auf die ersten fünf Songs noch, dass die Platte in der zweiten Hälfte keineswegs abbaut, sondern mit dem eingängigen Smasher ‘Do it to yourself’, dem treibenden ‘Feed my head’ und dem Boogie-lastigen ‘Can you feel it’ weitere Perlen beinhaltet. Somit haben wir es hier mit einem tollen Stück knackig-harter, vielseitiger, erfrischend positiver Rockmusik zu tun, das hoffentlich viele Hörer finden wird.

Homepage: www.richiekotzen.com

Ein gewisses Gefühl der Befreiung und Erleichterung strahlt “Paradise out of time” schon aus, nachdem “Spring tidings” etwas heterogen und aufgewühlt wirkte. Frühlingsgefühle haben natürlich etwas von Sturm und Drang, somit war das Thema der Platte damals gut getroffen. Doch dieses entspannte, harmonische Feeling von “Paradise out of time” tut zumindest mir jetzt richtig gut. Das hier ist eine Platte zum Wohlfühlen und zum Genießen, Musik zum Fliegen. Schöngeistiger Prog Rock trifft neugierig auf feinsten Bar-Jazz und diese endlose Weite und Tiefe der Töne, die POOR GENETIC MATERIAL intensiv wie kaum eine andere Formation zu erzeugen verstehen. Der Einstieg mit ‘New phase’ ist betont leicht und fröhlich gehalten, Phil Griffiths’ Stimme trägt diesen im positiven Sinne kleinen Song auf den Schultern seiner charismatischen Stimme. Etwas bluesig geht es mit ‘The key’ weiter, die Gitarrenmelodie in der Strophe setzt sich sofort im Ohr fest, der elegante Übergang zum in die Ferne schweifenden, emotionalen Mittelteil lässt aufhorchen. Nach dem sehr ruhigen ‘Paradise’ folgt mit ‘Out of time’ ein fantastischer Song, der mit einem zum Sterben schönen Gitarrensolo beginnt, sich zwischenzeitlich zu einem schwungvollen Prog-Rocker aufbaut und im weiteren Verlauf immer wieder das unter die Haut gehende Gitarrenthema des Anfangs aufnimmt. Als weiteres Highlight erweist sich das aufbrausende, irgendwie erregt wirkende ‘Citizen cyclops’. Typisch für POOR GENETIC MATERIAL ist es, hierauf ein etwas entrückt anmutendes, sanftes Stück wie ‘Holy ground’ folgen zu lassen. Am Ende dann noch ein kleines Meisterwerk namens ‘My other life’ und das große erwachsene Gefühlskino ist schon wieder vorbei.

Will man ein Fazit wagen, muss man konstatieren, dass POOR GENETIC MATERIAL sich auf “Paradise out of time” von allzu komplizierten Strukturen und überbordenden Longtracks weitestgehend fern gehalten haben. Dadurch wirken die neuen Stücke sehr rund und harmonisch, insgesamt recht bedächtig und aufgeräumt. So ganz die Intensität und Faszination von Alben wie “Leap into fall” oder “Winter’s edge” entsteht auf diese Weise zwar nicht, doch das Material hat so viel Klasse und Finesse, dass von einer Enttäuschung nicht die Rede sein kann. Mich macht diese Musik einfach glücklich, und sogar meine 18 Monate alte Tochter hört ganz andächtig und konzentriert zu, wenn ich “Paradise out of time” auflege, und wird dabei ganz ruhig und zufrieden. Ein sehr schönes Stück Musik, das ich allen Träumern und Genießern für die ungemütliche Jahreszeit als Balsam fürs Gemüt ans Herz legen möchte.

Surftipps:
http://www.poorgeneticmaterial.de
http://www.quixote-music.de