Enge Hosen, Stoffschnürschühchen, das halb kurz, halb lange Haar im Gesicht und ausgeleierte beziehungsweise karierte Hemden – kann eigentlich nur eine ganz typische Postrockband sein. Und es wäre gelogen zu behaupten, dass SEPTEMBER MALEVOLENCE aus Schweden nun komplett anders aussehen und klingen würden. Sie machen recht klassischen Postrock; da weiß man im Prinzip was man hat. Doch besonders Linksbassist und Sänger Martin Lundmark weiß diese Truppe aus dem Sud der postrockenden Einheitssuppe zu heben. Mit seinem ruhigen Feingefühl während und zwischen den Stücken war man schnell im Bann dieses melancholischen Sommerabschiedes. Zum anderen sind die „September-Böswilligen“ live auch einfach eine Macht, bisweilen in den typischen „Ausbruchspassagen“ gar eine Betonwand, die einfach gut zusammenhält und nie bröckelt. Authentisch von der ersten zur letzten Minute, getragen von einem brachialen, präzisen Sound, der da im AJZ aus der PA kam.

Das Bild änderte sich ein wenig. Kurz geschnittene Dreitage- bis Vollbärte statt glatte Gesichter unter seitengescheitelter Schüttelfrisur. Unverkennbar handelt es sich bei diesen vier haarigen Burschen um JUNIUS aus den Vereinigten Staaten. Sie spielen eine eigenwillige Mischung aus Progressive Rock, Postrock, Wave und Indie, kurzum vielleicht: Post Wave mit viel Gitarre, wobei das Wavige vor allem dem an The Cure-Vocals erinnernden Junius-Sänger Joseph E. Martinez zu verdanken ist. Zur melodramatischen Stimmung trug insbesondere die gelungene Beleuchtung bei: Eine Mischung aus Finsternis, funzeligen Bodenleuchten und einer gleißend hellen Strahlerleiste, die das Publikum mehr als nur einmal blendete. Da konnte man nur die Augen schließen und sich hineinfallen lassen in die Liveversionen ihres neuen Konzeptalbums zu den Thesen des Immanuel Velikovsky. Eine Hälfte ihres neuen Albums „The Martyrdom of a Catastrophist“ durfte ich bereits genießen, denn auf Tour und in ausgewählten Mailordern kursiert eine wunderschön aufgemachte Doppel-LP mit cappuccino-cremefarben-marmoriertem, schweren und hochwertig gepressten 45rpm(!) 12“-Vinyl und 16-seitigen Großformatbooklet, in welchem jeder Song nochmals mit einer stimmigen Zeichnung bedacht wurde. Und wieso nur eine Hälfte? Leider wurden die LPs aus einem Karton falsch gepackt und mit zwei gleichen Scheiben versehen. Sollte aber sonst nicht passieren. Die Scheiben gingen nach dem Junius-Auftritt jedenfalls weg wie warme Semmeln und die Band zeigte sich sichtlich gerührt von der Euphorie der vielen anwesenden Fans, denen Junius zuvor gewiss schon ein Begriff war: Immer wieder begeisterte Zwischenrufe und verzücktes Gejohle.

Zufrieden verließen zu später Stunde einige Gemüter die Abgelegenheit des AJZ, um in ihre warmen Häuslichkeiten zurückzukehren; viel mehr aber harrten in und um dem Alternativen Jugendzentrum aus und machten die kalte Nacht vor allem zu einer langen…

> Tone @ Myspace
>> September Malevolence @ Myspace
>>> Junius @ Myspace

Offizielle Website: hernameiscalla.co.uk
Her Name Is Calla bei MySpace: myspace.com/hernameiscalla

Eine äußerst positive Überraschung war der in Graz beheimatete Singer/Songwriter Effi, der mit Hilfe von Ukulele, Akustikgitarre, Laptop, Loopmaschine, seiner fabelhaften Stimme sowie einem Bassisten das Vorprogramm bestritt. Der sympathische Steirer präsentierte ein wahres Ohrwurmfeuerwerk mit einer gehörigen Portion Sonnenschein. Seine MySpace-Seite sei hiermit aufs Wärmste empfohlen. Anspieltipps: „Happy“ und „Lovefiles“.

Um circa 22:00 Uhr betraten Högni Egilsson (Gesang/Gitarre), Sigríður “Sigga” Thorlacius (Gesang), Axel Haraldsson (Schlagzeug), Rebekka Bryndís Björnsdóttir (Fagott), Guðmundur Óskar Guðmundsson (Bass), Viktor Orri Árnason (Violine) und Hjörtur Ingvi Jóhansson (Klavier) die für dieses Septett beinahe zu klein geratene Bühne des B72. Ein freundliches „Gott Kvöld“ und ein perfekt vorgetragenes „Guten Abend“ eröffneten ein energiegeladenes, dank zweier Zugaben ca. siebzigminütiges Set an neuem, alt bewährtem und fremdem Songmaterial. Die Band spielte eine Art „Best Of“ ihres Erstlingswerkes „Sleepdrunk Seasons“, welches Anfang März auch endlich im deutschsprachigen Raum veröffentlicht wird. Den Anfang machte das nach einer leisen Intro frisch und kräftig daherkommende „I lie“, gefolgt von richtigen Ohrwürmern wie „The Trees Don’t Like The Smoke“ und „Goodbye July / Margt að ugga”. Nicht umsonst wurde die Band bereits unter anderem für ihr tolles Songwriting bei den Icelandic Music Awards ’08 mit einer Auszeichnung belohnt. Die Überraschungen des einstündigen Konzertes waren neben zwei neuen, viel versprechenden Kompositionen namens „Sweet Impressions“ und „Wuthering Fields“ auch die erste Zugabe in Form einer Coverversion von Páll Óskars „Þú komst við hjartað í mér“, einem islandweitem Dance/Pop-Radiohit aus dem Vorjahr. Ins Deutsche übersetzt könnte der Titel in etwa „Du hast mein Herz berührt“ heißen. Mit einer zweiten und finalen Zugabe beendete die Sängerin Sigga das durch und durch spannende Konzerterlebnis mit einem brillant vorgetragenem Serge Gainsbourg (Größter Hit: „Je t’aime“) Song.
Um es als Ebay- Bewertung zu sagen: „Danke! Gerne wieder!”

HJALTALÍN Setlist

I Lie
Selur
The Boy Next Door
Sweet Impressions
The Tree’s Don’t Like the Smoke
Trailer Music
Wuthering Fields
Goodbye July / Margt að ugga
Traffic Music
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Þú komst við hjartað í mér (Páll Óskar Coverversion)
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L’anamour (Serge Gainsbourg Coverversion)

Das bereits Ende 2007 in Island erschienene, von Gunnar Örn „Gunni“ Tynes (Múm) und Benni Hemm Hemm produzierte, Debutalbum Hjaltalíns, „Sleepdrunk Seasons“, kommt nun auch endlich in Deutschland, Österreich und der Schweiz am Freitag, den 6. März 2009 auf den Markt. Wer nicht so lange warten will, kann sich „Sleepdrunk Seasons“ sowie die Páll Oskar Coverversion aber auch jederzeit aus dem Internet nach Hause holen. Die Download- und Bestellplattform Grapewire (Kimi Records Store @ Grapewire) bietet das Album für ein kleines Entgelt in dreifacher Ausführung an: Als Mp3-, Vinyl&Mp3- oder Cd&Mp3- Package.

Für Fans von gutem, ohrwurmreichem Songwriting ist diese Platte ein Muss!

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Hjaltalin @ Myspace: www.myspace.com/hjaltalinband

Páll Óskars “Þú komst við hjartað í mér” @ YouTube
Hjaltalíns „Þú komst við hjartað í mér”- Cover @ YouTube

Effi @ Myspace: www.myspace.com/effimusic

1. Astronaut: A Short History of Nearly Nothing

“Who Killed Amanda Palmer” beginnt mit einem Schrei und einem gewitterhaften Dreiklang-Stakkato, um kurz darauf ganz leise Saiten anzuschlagen. Und wieder laut. Und wieder leise. Und dann wieder ganz laut. Was für ein Opener! Dieses wundervolle Energiebündel könnte leicht darüber hinwegtäuschen, dass wir es hier mit einer todtraurigen Astro-Elegie zu tun haben, wären da nicht diese gewaltigen Violinenstürme und diese immer wieder hervorbrechende Zerbrechlichkeit. Astronaut handelt von Distanz und Nähe, unerfüllbarer Liebe und Sehnsucht und Abschied.
Um es gleich vorwegzunehmen, Astronaut ist mein persönliches Highlight des Albums und hat mich viele Stunden Schlaf gekostet, weil diese Zeilen einfach nicht verschwinden wollen – da hast du dein Ziel erreicht, das mit dem Afterthought und den Reminders, zumindest bei mir…

But you are, my love, the Astronaut
Flying in the face of science
I will gladly stay an afterthought
Just bring back some nice reminders

2. Runs in the Family

Auch im zweiten Song geht es um Zwischenmenschliches, jedenfalls an der Oberfläche. Woran liegt es, dass wir sind, wer sind? In der Familie? Vor der kann man jedenfalls nicht davonlaufen, I cannot run from my family, they’re hiding inside of me, singt Amanda sich durch leicht redundante knappe drei Minuten. Ostinato sagt da wohl der Fachmann, ich belasse es lieber vorsichtig bei einem „ganz schön eingängig“. Trotz allem ein sehr starker Song.

3. Ampersand

Das &-Zeichen, Ampersand auf Englisch, ist mehr als eine Konjunktion, es ist eine Lebenseinstellung, jedenfalls hier. Es wird zum Sinnbild dessen, was man ja irgendwie ständig sieht, im Freundeskreis, im Café und auf Straße: Menschen, die sich nahe sind, verschmelzen bis zur Unkenntlichkeit, bis sie nicht mehr sie selbst sind. Da gibt’s Paare, die könnten auch Zwillinge sein. Gleiche Mimik, gleiche Sprache, am besten noch die gleichen Jack-Wolfskin-Outdoor-Schwedenurlaub-Regenjacken. Schön, wenn man sich jemandem verbunden fühlt, aber genauso schön, dass endlich mal jemand sagt, dass Persönlichkeit auch gelebter Individualismus ist. Vielleicht ist das nicht jedermanns Ansicht (und vielleicht verstehe ich Amanda auch total falsch), aber es ist es allemal wert, darüber nachzudenken. Und das kann man bei diesem unaufdringlich ruhigen Song richtig gut.

4. Leeds United

Hier dürften sich Dresden-Dolls-Fans ganz besonders an das gemeinsame Werk von Amanda Palmer und Brian Viglione erinnert fühlen. Es darf getanzt werden, sofort!

5. Blake Says

Ein ganz schön harter Schnitt zum Vorgänger, ist „Blake Says“ doch eines der schwerfälligsten Lieder auf dem Album und auch ein wenig anstrengend. Schon mutig, einen solchen Rausschmeißer in der Mitte des Albums zu platzieren, aber komischerweise fügt er sich nahtlos ins Gesamtwerk ein, auch, wenn ich ein paar mal versucht war, ihn einfach zu überspringen.

6. Strength through Music

Zeit für ein Geständnis: Ich liebe Spoken-Word-Intros, und das erleben wir hier in absoluter Perfektion. Das sparsame Arrangement zeigt einmal mehr, dass die Kraft nicht immer im Brachialen liegt. Bestimmt wunderschön, zu diesem Lied nachts durch die Straßen zu fahren, wenn die Lichter an einem vorbeirauschen und man sich vorkommt wie in einer Parallelwelt, ohne andere Menschen. Es hat etwas surreales, entrücktes, unerwartet minimalistisches.

7. Guitar Hero

Auf einem so vielseitigen Album darf natürlich auch ein Partykracher nicht fehlen – et voilà. Guitar Hero ist eine ziemlich klassische Rocknummer, wieder mal was zum Tanzen, endlich!

8. Have to Drive

Ohje, besser nicht hören, wenn man psychisch labil, in einer „merkwürdigen Phase“ oder sonst irgendwie emotional vorbelastet ist, denn dann könnte diese Ballade einen unglaublich fertig machen. Stabilere Leute werden sie vielleicht ein bisschen zu offensichtlich, zu sehr Herzschmerz, finden. Zwiespältig, aber liebenswert und wundervoll introvertiert.

9. What’s the Use of Wond’rin?

Ist das wirklich die gleiche Amanda Palmer, die im Song zuvor so unfassbar tief und eindringlich gesungen hat? Angesichts des Falsetts kaum zu glauben, aber darum heißt es ja auch so. Überhaupt ist die gesangliche Vielfalt, diese Kraft in Stimme, einfach großartig. Auch in diesem Track, der fast zum Schluss noch mal eine ganz andere Amanda aus dem Hut zaubert.

10. Oasis

Und wieder ein rumpeliger Übergang zum Vorgänger-Song: Oasis ist definitiv das poppigste, partytauglichste und plakativste der 12 Lieder und könnte fast von Pink stammen – wer’s mag… Laut YouTube ist der Song Sarah Palin gewidmet, jener radikal-dümmlichen Hockey Mom, die in den US-Wahlen als McCains Running Mate im kleinen Schwarzen und Gummistiefel legendär versagt hat, von Freidenkern, Promis, jungen Menschen, Alten, Frauen und Männern und Kindern leidenschaftlich gehasst. Allein dafür sollten wir Amanda lieben. Und das Lied ist wirklich nicht so schlecht. Seht selbst:

11. The Point of It All

Gen Ende des Albums kommt melancholische Abschiedsstimmung auf. Schade, denn wofür gibt es die Repeat-Funktion? Ehrlich gesagt hat mich dieses Lied von allen am wenigsten gepackt, und darum kann und will ich gar nicht viel dazu sagen, aber vielleicht kommt das noch. Wofür gibt’s schließlich die Repeat-Funktion.

12. Another Year: A Short History of Almost Something

Überflüssig zu erwähnen, dass dies der Versuch einer Brücke zwischen erstem und letztem Song ist. Und ähnlich wie Astronaut ist auch der letzte Song tieftraurig, und auch hier geht es um Distanz und Unerreichbarkeit. Und um das Warten, bis sich etwas ändert.

But that could take forever
I think i’ll wait another year
It’ll be the best year ever
I think i’ll wait another year
Can’t we just wait together
You bring the smokes, i’ll bring the beer
I think i’ll wait another year

Hoffen wir, dass wir nicht bis zum Sanktnimmerleinstag auf ein neues Album von Frau Palmer warten müssen. Vielleicht nur ein weiteres Jahr? Das wäre toll. Bis dahin können wir uns ab demnächst mit dem Buch zu “Who Killed Amanda Palmer?” trösten, das neben vielen Photos Texte von Neil Gaiman enthalten wird (einen Vorgeschmack darauf gibt es auf dem Albencover).

„Who Killed Amanda Palmer?“ hat allergrößtes Heavy-Rotation-Potential. Das liegt auch an dem fast schon poppigen Songwriting, denn trotz all ihrer brachialen Energie und dem brechtpunkkabarettigen Pianogehämmer sind die Lieder sehr zugänglich. Rund wird es durch die Songs, die aus diesem Schema ausbrechen, die man vielleicht beim ersten Durchhören sofort wieder vergisst. Schönes Gesamtkunstwerk in vielen Facetten!

MySpace: myspace.com/whokilledamandapalmer
Offiziell: whokilledamandapalmer.com

Wie also sieht der Film wirklich aus, dessen Soundtrack „Today is not the Day…“ sein könnte? Schwarzweiß, ganz klar, und ein bisschen melancholisch. Einer der Filme, bei denen man mit dieser unbestimmten Seligkeit aus dem Kino kommt, weil man gerade Zeuge hoher Kinokunst geworden ist. Ein etwas elitäres Gefühl vielleicht, denn dieser Film wird nicht jedem gefallen, aber einen kleinen, treuen Fankreis bis zum Delirium begeistern.

Das Arrangement ist wundervoll reduziert: Stimme, Gitarre, ein paar leise Zwischentöne. Singer-Songwriter eben, und doch ganz eigen. Dazu kommen unaufgeregt intelligente Lyrics, die ein poetisches Level erreichen, das Fans von Nick Cave sehr glücklich machen dürfte. Apropos, in seiner sparsamen Instrumentierung und den ätherischen weiblichen Background Vocals erinnert das Album angenehm an Caves 2004er Doppelschlag „Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus“, nur, dass „Today is not the day…“ eben ohne Piano auskommt und dafür auf sattes Akustik-Geklampfe setzt. Weniger Blues, mehr Folk.

Ob es jetzt nun die offensichtlichen Ohrwürmer wie „Little Prince Town“ und „Hurrah Hurrah Hurrah, Hurray Hurray“ sind oder sperrigere Songs wie „Variations on a Theme Called Honesty“: Man wird sie nicht mehr los, diese Melodien, sie verfolgen einen unauffällig und melden sich gerne ein paar Stunden, nachdem das Album durchgelaufen ist, aus dem Unterbewusstsein. Call the ambulance, cut the wedding cake, tell the prisoners they’re free – hilft alles nix, man muss und will und kann es immer wieder hören. Open your ears, my dear, everything’s ok.

Nicht nur wir sind ziemlich einig: Dieser Mann darf kein Geheimtipp sein, schreit es heraus, verbreitet Myspace-Links und Hörproben, rennt dem Radiosender eures Vertrauens die Türen ein.

Und vor allem: Hört ganz viel Gus Black.

Offizielle Homepage: www.gusmusic.com
Gus Black auf MySpace: myspace.com/gusblack

Kurz vor Herbstbeginn machte die Band einen Abstecher ins schöne Kamp nach Bielefeld. Natürlich mogelten wir uns zwischen die extatischen Besucher, die zu 80 Prozent aus Frauen, zu 60 Prozent aus sehr jungen Frauen bestand. Kein Vorwurf. Dúné sind ja selbst kaum älter…

Ein Konzert, das Spaß bereitete und allerlei bunte Schnappschüsse ermöglichte.

DÚNÉ

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» Offizielle Seite von Dúné: www.kettcar.net
» Dúné bei MySpace: www.myspace.com/dunesite

Geschlagene drei Stunden rockten, feierten und schmetterten The Dandy Warhols einen Titel nach dem anderem von der engen, offenen Bühne des Abart ins tobende Publikum. Man möchte meinen, es gäbe keinen optimaleren Ort als das Abart für eine solch starke Liveband wie The Dandy Warhols, welche förmlich zum Anfassen nahe am Publikum waren. Selbst auf die sonst übliche Absperrung wurde verzichtet. Auch eine Vorband gab es nicht. Wer noch Energie, Kraft und Ausdauer besaß, konnte es nach der unbeschreiblich geilen Performance mit dem DJ der Dandy Warhols und Courtney, Zia, Brent und Peter noch richtig Krachen lassen und feiern bis in die frühen Morgenstunden.

THE DANDY WARHOLS

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http://www.myspace.com/thedandywarhols

http://www.dandywarhols.com/

Eigentlich war alles perfekt, die Eintrittspreise locker erschwinglich, das Wetter ließ in Anbetracht dunkler Wolken keine anderen Abendplanungen sinnvoll erscheinen und auch das Programm in der Glotze dürfte wohl keinen ans heimische Sofa gefesselt haben. Umso größer jedoch unser Erstaunen, als wir, am Kesselhaus angekommen, gerade mal zwei Dutzend Leute antrafen. Hatten wir etwa was verpasst, wurde die Veranstaltung kurzfristig abgesagt? Doch dem war mitnichten so, der Termin stand und das Konzert fand statt. Zwar füllte sich der Laden im Verlauf des Abends noch ein wenig, dennoch musste man sich fragen, wo eigentlich all die musikinteressierten Lipper an diesem Abend waren?! Offenbar schienen auch die Veranstalter ob des nur mageren Zuschauerzuspruchs etwas irritiert, anders als mit dem Hoffen auf verspätet eintreffende Fanscharen war der späte Beginn des Konzerts wohl nicht zu erklären. Die ersten Reihen waren glücklicherweise recht gut gefüllt, als dann endlich die vier Jungs von GERADESO! die kleine Bühne betraten und mit ihrem frischen Indie-Pop-Rock munter loslegten. Mit Songs wie „Herzschlag“ oder „Doch nur eine Bitte“ von der gleichnamigen Mini-CD sorgten die Detmolder für viel Stimmung und dank des eigens mitgebrachten Fanclubs reichte es sogar noch für eine Zugabe. Auch Karpatenhund schien der Gig zu gefallen, speziell Sängerin Claire verweilte recht lange inmitten des Publikums und tanzte zu den Rhythmen der lippischen Local Heroes. Erfrischender Auftritt der vier Residenzler, von denen man auch in Zukunft hoffentlich noch einiges hören wird!

GERADESO!

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Im Anschluss machten sich dann STERNBUSCHWEG auf, die anwesenden Zuhörer mit ihrer Mischung aus Brit-Pop und Berliner Indie-Schule zu erobern. Das Quartett um Sänger Wolfgang Müller-Molenar spielte an diesem Abend einen guten, soliden Gig, dem vielleicht ein wenig mehr Energie wie beispielsweise beim Opener „Mein Herz schlägt“ positiv zu Gesicht gestanden hätte. Der Funke der Begeisterung sprang jedenfalls nicht so recht auf das Publikum über, schade eigentlich, denn die sympathischen Berliner hätten durchaus mehr Applaus und Zuspruch verdient gehabt. Unterm Strich war es aber ein engagierter Auftritt der Hauptstädter, die mit ihrem Material vom aktuellen Album „Mein Herz schlägt weiter jeden Tag“ durchaus zu überzeugen wussten, auch wenn man an diesem Abend eventuell ein wenig zur falschen Zeit am falschen Ort zu sein schien.

STERNBUSCHWEG

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Hatten sich die Zuschauerreihen im Verlauf des Gigs von Sternbuschweg ein wenig gelichtet, so durfte man erwarten, dass sich die Fans zum finalen Hauptact des Abends wieder in Scharen vor der Bühne versammeln sollten. Dicht gedrängt standen sie auch, zumindest in den ersten vier Reihen, dahinter war es aber rein zahlenmäßig leider erschreckend spärlich gesät! Schwer zu sagen, ob es an der schon weit fortgeschrittenen Uhrzeit, der bereits zurückliegenden, anstrengenden Arbeitswoche oder dem Stand des Mondes lag, jedenfalls war es eine recht überschaubare Menge, vor der sich KARPATENHUND nun anschickten, ihre energiegeladenen Songs zum Besten zu geben. Und die in fesche Uniformen gekleideten Kölner um ihre temperamentvolle Sängerin Claire gaben von Beginn an mächtig Gas und ließen sich auch von der nur geringen Besucherzahl nicht aus dem Konzept bringen. Mit ihren mitreißenden Songs wie „Ist es das was du wolltest“, „Nicht wirklich glücklich“ oder „Alles ist schiefgegangen“ brachten Karpatenhund ihr Publikum zum Tanzen, Mähne schütteln, hüpfen und mitsingen, mal einzeln und mal alles zugleich! Die Gitarren sägten, die Beats wummerten durch das Kesselhaus, umflirrt von schrägen Keyboardlinien und Saxophon- oder Glockenspiel-Intermezzi – poppig, rockig, mitreißend und von ungemein positiver Ausstrahlung! Und spätestens bei „Gegen den Rest“ stand kein Fuß mehr still, kein Kopf mehr, der nicht im Takt der Musik hin und her geschwungen wurde, und kein Gesicht mehr, in dem nicht mindestens der Anflug eines zufriedenen Lächelns zu erblicken war. Kein Wunder, dass die fünf Kapitäne nicht ohne Zugaben von der Bühne entlassen wurden, immer wieder angefeuert und begeistert beklatscht! Ein ehrlicher und temperamentvoller Auftritt, wie man ihn von dieser jungen und sympathischen Band bereits gewohnt ist. Schade eigentlich nur, dass lediglich ein paar Dutzend Zuschauer diesem Konzert beiwohnten, denn die Rheinländer hätten wahrlich größere Besuchermengen verdient!

KARPATENHUND

>> Zu allen Bildern von Karpatenhund

Damit wären wir auch schon bei den beiden einzigen Kritikpunkten an diesem Abend. Zum einen wäre da die doch recht bescheidene Akustik im Kesselhaus, die mit ihrem Garagensound eine manchmal etwas unangenehme Proberaum-Atmosphäre produzierte. Dieses Manko machten die Bands aber dank ihrer Energie und Spielfreude beinahe wett, sodass man hierüber getrost hinweg sehen, wenn auch weniger hören konnte. Viel schwerer wiegt da eigentlich die geringe Besucherzahl an diesem Abend! Nicht nur die Künstler hätten mehr Zuschauer verdient gehabt, auch für die Veranstalter wäre das ein gerechter Lohn für ihre Arbeit und die ganzen Anstrengungen gewesen. Wenn man sich dann vor Augen führt, dass ungefähr im gleichen Zeitraum der gescheiterte DSDS-Teilnehmer und Gurkenlaster-Hasardeur Daniel K. die Detmolder Stadthalle bis auf den letzten Platz füllen konnte, dann muss man sich doch ernsthaft Sorgen um den musikalischen Geschmack seiner Mitbürger machen. Damit das nicht falsch verstanden wird: Nichts gegen den bockenden Kübel, wir leben in einem freien Land, in dem jeder die Art von Musik machen darf, auf die er oder sie Bock hat, aber wenn man dann die ewigen Klagen insbesondere von jüngeren Leuten hört, dass hier in der Region nie etwas stattfindet, und dann bei einer doch recht bekannten Band wie Karpatenhund nicht mal Besucher in dreistelliger Zahl anwesend sind, dann fragt man sich ernsthaft, ob man nicht im falschen Film ist!

Was bleibt als Fazit? Rein musikalisch ein überaus positives, denn mit den beiden Vorbands hat man einen guten Griff getan, speziell der Auftritt der vier Youngster von GERADESO! hat Appetit auf mehr gemacht! Und KARPATENHUND waren an diesem Abend mal wieder eine Macht und über jeden Zweifel erhaben und haben das Kesselhaus mächtig gerockt! Bleibt eigentlich nur der etwas schale Beigeschmack der wenigen Zuschauer, wobei man sich in diesem Zusammenhang wirklich fragen darf, was noch alles passieren muss, damit die Musikinteressierten im beschaulichen Lipperland ihre Hintern hochkriegen und den Weg zu Veranstaltungen dieser Art antreten. Ansonsten darf sich nämlich irgendwann keiner mehr beschweren, wenn hier für jüngere Leute wirklich nichts Aufregenderes mehr stattfindet als Schützenfeste und Taubenzuchtausstellungen…

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» GeradeSo! bei MySpace: www.myspace.com/geradeso
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» Karpatenhund bei MySpace: www.myspace.com/karpatenhund

Fotos: Jana Legler
Text: Andreas Neitzel

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Oi, was ist das? Eine dunkle Welle rollt über mich hinweg. Finster und unheimlich. Nächster Track *zapp*. Nanu? Das kenn ich irgendwo her. Klingt leicht wie Iron Maiden und Kiss. Bild? HUCH, die sehen aus wie Kiss, die Haare strotzen jedoch normalen physikalischen Gesetzen. Nächster Track *zapp*. Boah, das hier hört sich jetzt an wie’n bisschen britischer Rock, so wie man ihn um die späten 90er kannte. Ein Merkmal haben alle gemeinsam: Alle sind sie auf japanisch. Welcome to J-Rock. Das Angebot ist riesig. Hier haben wir “the pillows” (Kleinschreibung beachten). Indie British Rock auf japanisch und englisch. Vielleicht kann man sagen, sie seien die japanischen Oasis? Ich finde, das trifft’s ziemlich gut. Die Inhalte der Texte kennt man von diversen Pop-Rock Bands, jedoch macht der Mix aus japanisch und englisch die gesamte Sache sehr hörenswert.
Dir en Grey kommt nun. Starke Drumintermezzi und eine Mischung aus klaren, hohem maskulinen Gesang und undeutbaren, aggressiverem Kreischen. Sehr melodisch und gitarrenlastig. Um es abwertend ausdrücken, hat’s was von Nu Metal. Jedoch empfinde ich, wenn ich Dir en Grey und z.B. Linkin Park vergleichen müsste, eine riesige Lücke zwischen den Bands, bei der Dir en Grey bedeutend höher in meinem persönlichen Ansehen ist. Teilweise ist die Grundstimmung etwas düsterer und alle Songs enden mehr in einen verbalen Konflikt zwischen hoffender Verzweiflung und Wahnsinn. Dennoch sehr rocklastig, nicht so im Vergleich zu Moi dix Mois. Ehrlich gesagt, hab ich noch nicht viel von den gehört, aber die wenigen Songs haben mir folgende Gemeinsamkeiten gezeigt. Düster ist kein Ausdruck. Man könnte meinen, es wäre ‘ne Gothic-Band. Naja stimmt auch, sie sind eine Gothic-Band mit japanischen Texten, ergo J-Rocker. Der frequentierte Einsatz von Keyboard/Synthesizer-Instrumenten gibt der dunklen Welle einen leichten apokalyptisch-nekrotischen Touch. Für Goth-Discos wärs was feines zum “Tanzen”, da die Tracks in sich geschlossen weniger progessiv sind.

Die heutige Hauptattraktion: X-JAPAN.
Eine J-Rock-Legende, in Studios und auf Bühnen seit 1987, aktiv schon einige Jahre zuvor mit bis zu dem Datum häufig wechselnder Besetzung. Ursprünglich dem Speed Metal zuzuschreiben, wechselten sie bis 1997, zum Zeitpunkt ihrer Auflösung, in die Alternative Rock-Schiene. Schon zu ihrer Manifestationszeit um 1987 gehörten Hard Rock-Balladen zu ihrem Repertoire. National erregten X-Japan viel Aufsehen für ihren doch sehr untypischen Musikstil, wie man ihn nur aus westlichen Ländern kannte. Dazu kam die starke Neigung zu feminin wirkender Kleidung, samt Make-Up und hohen bunten Frisuren. Solche Paradiesvögel waren international nicht lange unbekannt. X-Japan waren seitdem die Begründer des “visual kei”, dem “visuellen Stil”. Während ihrer Erfolgszeit war die Besetzung mit fünf Mitgliedern bis auf einen Wechsel beständig. Den Gesang steuerte Deyama Toshimitsu, auch bekannt als “Toshi”, bei. Mit einen Stimmumfang von drei Oktaven besitzt Toshi selbst für ein ungeschultes europäisches Hörorgan einen hohen Wiedererkennungswert. Bemerkenswert ist die Glaubwürdigkeit der Emotionen, die er an den Tag legt, was ich nicht gerade von vielen westlichen Vocalists sagen kann. J-Rock wäre kein Rock, wenn nicht ein Gitarrist die Reihen besetzt. Im Falle X-Japan sind es zwei. Matsumoto Hideto, alias “hide” und Ishizuka Tomoaki, als “Pata”. Obwohl hide als Leadgitarrist in vielen Songs seine akustische und visuelle Dominanz gegenüber Pata ausspielt, so ist er zusammen mit Pata in der Lage perfekt synchron zu spielen. Während Pata sehr zurückhaltend und schüchtern wirkt, ist hide das komplette Gegenteil mit seinen grundsätzlich pinken Haaren und sehr weiblichen Kostümen. Am Bass treffen wir von 1987 bis 1992 Sawada Taiji und bis 1997 Morie Hiroshi, a.k.a. Heath, an. In der Speed Metal-Ära der frühen Jahre spielte Taiji bedeutend progressiver und funkiger als Heath, der eher den Bass harmonisch spielt. Oft ein Kritikpunkt der Fans, da Heath als Taijis Nachfolger dessen aggressives Bassspiel nicht beherrscht. Mit dem Fortgang von Taiji erkennt man deutlich den Stilwandel der Band.

Bisher versammelt sich eine ziemlich leistungsstarke Truppe, jedoch fehlt der absolute Schwarm der Fans und das Multitalent der Band: Hayashi Yoshiki, in Rosen badend mit langen Kleidern und langem gelockten Haar. Songwriter, Drummer, Pianist und Bandleader in einer Person und wenn man es nicht besser weiß, könnte man meinen, die zarte Person mit Make-Up und rosa-lila Gewändern wäre eine prüde, schüchterne und schönheitsartikelverschlingende Frau. Oberflächlich ja, aber innerlich das komplette Gegenteil. Stop being so stereotypical!!! Innere Werte zählen… öhmm… jo, doofer Spruch an der Stelle. Während alle Mitglieder visuell eher fragil wirken, so sind die Lyrics einfach nur konträr. Und wer schreibt die? Genau, alle Texte entstammen Yoshikis Kopf. Vergänglichkeit im Sinne von Mord, Suizid und negativen Emotionen ziehen sich durch beinahe alle Songs. Liebe, Verzweiflung, Schmerz und Schönheit kommen vor allem bei den Balladen ans Licht, jedoch “Happy World” ist ein Fremdwort für X-Japan. Sprache? Natürlich japanisch, jedoch auch hier und da einige Brocken Englisch. Vorallem die Balladen sind durch die dominanten Pianoeinflüsse sehr emotional, was durch Toshis Stimme nochmal verstärkt wird. Klassische Musik in Form von orchestraler Unterstützung hat einen merklichen Einfluss. Wenn man in die vergangenen Jahrhunderte der europäischen Geschichte schaut, so findet man meisterhafte Schwarz-Weiß-Tastendrücker wie Mozart und Beethoven, die diese Zeit prägten und die Kaviermusik an Europa, vorallem an den Wiener Hof banden. Als typisch westliches Merkmal aufgenommen, findet sich dieses Element mit dem Schönheitswahn des Barocks in den Live-Auftritten der Band wieder.

All dieses Unjapanische und Gewalttätige sorgten für Aufsehen und Anerkennung. Selbst zehn Jahre nach ihrer Trennung werden X-Japan immer noch ihrem Ruf gerecht. Anders als Fantasy-orientierte Kriegsklänge und epische Szenarien attackiert X-Japans Musik ihre Fans direkt in einer Intensität, die akustisch und visuell atemberaubend ist. Die Thematik ist zeitlos und das Zusammenspiel und die Aggressivität verleihen mir das Gefühl, als ob ein Vulkan von Emotionen in mir explodiert und man innerlich auf ein Schlachtfeld geworfen wird. Musik zum Abreagieren also? Nicht im geringsten, sie pumpt auf und zwar gewaltig.

Im Herbst 2007 überraschte die alte Formation X-Japans mit ihrer Wiedervereinigung und dem Release des Endingsongs des Films Saw4. Bis auf hide, den Bandliebling der Fans, der 1998 aus ungeklärten Umständen starb, sind X-Japan wieder komplett am Start.

X-Japan – “Scars” (Promotional Video) [1996]

X-Japan – “Say Anything” (Promotional Video) [1991]

J-Rock in a Nutshell.
Heile Welt ist bisher Fehlanzeige im gesamten J-Rock-Genre. Überwiegend werden zwischenmenschliche Beziehungen aus misanthropen Augen verarbeitet. Suizid, Selbstverstümmelung und Leid, im Gothic-Schlafrock serviert auf einem heißen Tablett von apokalyptischer Stimmung. Sowohl melodisch, so als auch progressiv spielen die vom Leben gepeinigten Künstler, die ihren Gefühlen freien Lauf lassen. Man begrenzt sich dabei aber nicht nur auf die typischen Instumente von Rock und Metal, man bezieht auch klassische Instrumente, wie Piano, Streichinstrumente und zu großen Teilen Synthesizer ein. Pop-Rock oder eher metallastig, es ist für alle was dabei. Come in and find out, “komm rein und find wieder raus.”
We are J-Rock, resistance is … fu-TIIIIIIILE *extrem hoch kreisch*. Achja, sehr hohe männliche Stimmen sind cool.

Dies war das erste Kapitel des großen Buches ostasiatischer Gitarrenmusik. Die Geschichte geht weiter und ich werde euch tiefer in den Kaninchenbau des J-Rock führen und zusammen werden wir die schwarzen und hochgegelten, pinken Geschichten dieses schrillen und düsteren Genres erforschen. Ich lade euch ein, nehmt euch ein Stück des J-Rock-Kuchens von der großen Kaffeetafel der Musik.