Zünftige heidnische Dörfer, gemütliche Clubs und große Fabrikhallen, das Leipziger Kultobjekt Moritzbastei, ja sogar das Opernhaus steht den WGT-Besuchern für einige Vorstellungen zur Verfügung. So wird man dort beispielsweise die Chance bekommen, dem Ereignis von Verdis “La Traviata” beizuwohnen; in der Krypta im Völkerschlachtdenkmal wird es bombastisch zu Mozarts Requiem. Aber auch anderes Neuland wird seitens der WGT-Orga betreten: Post Rock! Wir freuen uns ganz besonders auf Caspian und Long Distance Calling.

Das Bindeglied vom postrockigen Shoegaze hinzu härteren Klängen stellen wohl Alcest dar, die mit ihrem neuen Album sogar wieder in Richtung Black Metal-Gefilde wandern. Apropos Metal – auch den gibt es dieses Jahr wieder: Poisonblack und Moonspell sind sogar Wiederholungstäter, denn sie konnten bereits beim WGT 2007 überzeugen. Lest euch generell mal unseren WGT-Bericht von 2007 durch, um einen groben Überblick über das schwarz-bunte Treiben zu bekommen.
Schaut man noch ein paar Jahre zurück, 2004 oder 2005 muss das gewesen sein, da gab es eine Band aus den Niederlanden The Wounded hießen diese Jungs, die quasi aus dem Nichts kamen und mit ihrem doombetonten Dark Rock auf Knien litten und heulten, dass man als Zuhörer nicht anders konnte als mitfühlend auch ein Stück in die Tiefe zu gehen.

Als leckere Folkhappen haben wir uns mal die Elektrofolker Valravn und unsere schwedischen Folk Metal-Lieblinge Fejd notiert. Das avantgardistische Sahnehäubchen ist dieses Jahr sicher Jarboe, doch es gilt bei allen “unbekannten” Namen noch einmal reinzuhören und auf Neues zu stoßen.
Dazu eignet sich besonders die “Hauptschlagader” des Festivals, das Agra-Gelände im Süden der Stadt, wo auch auf dem Zeltplatz mittels der auf 9.999 Stück limitierten Obsorgekarte genächtigt werden kann. Zu dieser Karte (nochmal 25 €) gibt es den “Pfingstboten”, das üppige, liebevoll aufgemachte Programmbuch. Außerdem ist die Agra-Halle wieder einmal auch der Ort des riesigen Gothic-Marktes, wo der Besucher allerhand Neckisches, Schönes und Absonderbares bekommt, was das dunkle Herz begehrt. Neben den vielen Konzerten wird das Treiben außerdem von Lesungen, Ausstellungen, Theateraufführungen und Parties bis in den Morgengrauen abgerundet. Der Eintritt ins Bildermuseum ist mit Festivalbändchen übrigens auch frei.

Wir werden natürlich ausführlich berichten und hoffen, auch euch in diesem schwarzen Getümmel zu treffen!

Hier nochmal alle Infos auf einen Blick:

Wann? 21.-24.05.2010
Wo? Leipzig, 40 Veranstaltungsorte
Wo noch? www.wave-gotik-treffen.de

Wie viel?
4-Tages-Ticket inkl. ÖPNV Stadtgebiet Leipzig: 66 € (inkl. VVK-Gebühr)
Obsorgekarte (“Pfingstbote” und Zeltplatznutzung): 25 € (inkl. VVK-Gebühr)

Wer? (Stand: 18.04.2010)
Alcest (F) – Alien Sex Fiend (GB) – Alight (I) – Ambassador 21 (BLR) – Andrew Liles (GB) – Arcana (S) – Arctic Plateau (I) Weltpremiere – Ashes You Leave (HR) – At The Soundawn (I) – Attrition (GB) – Auto Auto (S) – Autoclav1.1 (GB) – Beloved Enemy (D) – Bettina Köster (D) – Big Boy (USA) – Biomekkanik (S) – Blind Cave Salamander (I) – Bloody, Dead & Sexy (D) – Bollock Brothers (GB) – Brendan Perry (IRL) – Brigitte Handley & The Dark Shadows (AUS) – Bury Me Deep (D) – Caspian (USA) – Catastrophe Ballet (D) – Cephalgy (D) – Chameleonsvox (GB) – Christ Vs. Warhol mit Eve Ghost (USA) – Chrysalide (F) – Cinderella Effect (D) – Cobra Killer (D) – Colin Potter (GB) – Colony 5 (S) – Conjure One (USA) – Crematory (D) – Death Of A Demon (D) – Decadence (GR) Weltpremiere – Demented Are Go (GB) – Der Fluch (D) – Dexy Corp. (F) – Diary Of Dreams (D) – Dr. Mark Benecke (D) – Eisheilig (D) – Elegant Machinery (S) – Endanger (D) – Endless (D) Wiedervereinigung – Escape With Romeo (D) – Ext!ze (D) – Faith & The Muse (USA) – Feeding Fingers (USA) – Fejd (S) – Felsenreich (D) – Fjernlys (D) – Flint Glass (F) – Future Trail (D) – Gene Loves Jezebel (GB) – Geneviéve Pasquier (D) – Genitorturers (USA) – Ghost Brigade (FIN) – Ghoultown (USA) – Gitane Demone (USA) – HTRK (GB) – Hide & Seek (F) – In Strict Confidence (D) – Indukti (PL) – Irr. App. (Ext.) (USA) – Jabberwock (F) – Jarboe (USA) – Joe Black (GB) – Joy Of Life (GB) – Joy/Disaster (F) – Kiew (D) – Kirlian Camera (I) – Kitty In A Casket (A) – Koffin Kats (USA) – Kommunity FK (USA) – Kryptonix (F) – La Magra (D) – Lacrimosa (D) – Lealoo (CZ) – Leichtmatrose (D) – Libra (S) – Liquid Divine (D) – Loell Duinn (HR) – Lola Angst (D) – Long Distance Calling (D) – Lord Of The Lost (D) – Luxury Stranger (GB) – Lyronian (D) – Madre Del Vizio (D) – Militia (I) – Modulate (GB) – Mona Mur & EN Esch (D/GB) – Mono No Aware (D) – Moon Far Away (RUS) – Moonspell (P) – Morlocks (S) – MS Gentur (D) – My Friend Skeleton (D) Weltpremiere – My Insanity (D) – Nahemah (E) – Neon (I) – Novalis Deux (D) – Noyce TM (D) – Nude (D) – Nurse With Wound (GB) – Oberer Totpunkt (D) – Omega Lithium (HR) – Orange Sector (D) – Orgonautic (D) – Phallus Dei (D) – Poisonblack (FIN) – Punish Yourself (F) – Rabia Sorda (MEX) – Raum41 (D) – Rawkfist (D) – ReActivate (D) – Revolution By Night (GB) – Richard Ruin & Les Demoniaques (D) – Roman Rain (RUS) – Rotersand (D) – S.E.T.I. (GB) – S.I.T.D. (D) – S.P.O.C.K (S) – Samsas Traum (D) – Schallfaktor (D) – Schneewittchen (D) – Seelenzorn (D) – Seventh Harmonic (S/GB) – Sex Gang Children (GB) – Sigillum S (I) – Slave Republic (D) – Sol Invictus (GB) – Solemn Novena (GB) – Suicide Commando (B) – The Brains (CDN) – The Crystelles (USA) – The Deep Eynde (USA) – The Essence (NL) – The Golden Apes (D) – The Grapes Of Wrath (D) – The Klinik (B) – The Lovecrave (I) – The PCP Principle (GB) – The Pussybats (D) – The Raven (USA) – The Sun And The Moon (GB) – The Violet Tribe (D) – The Vision Bleak (D) – The Wounded (NL) – This Morn’ Omina (B) – Trial (D) – Twinkle (F) – Twisted Nerve (GB) – Valravn (DK) – Vigilante (RCH) – Violet (D) – Voices Of Masada (GB) – Welle:Erdball (D) – X Marks The Pedwalk (D) Exklusive Wiedervereinigung – Zeraphine (D) – Zeromancer (N) – Zwielicht (D)

Lichtenberg ist nicht eben als Berlins Kulturkiez bekannt. Der Stadtteil im Osten der Stadt glänzt eher durch den zweifelhaften Charme trabantenstädtischer Tristesse. Umso schöner für Lichtenberg, dass sich die dort ansässige theARTer Galerie immer mehr als Geheimtipp entpuppt und mittlerweile Publikum aus ganz Berlin und darüber hinaus anzieht. Einer der Gründe dafür dürfte sein, dass die Galerie seit jeher mit einem ambitionierten Rahmenprogramm aufwartet. Konzerte, Lesungen, zuletzt auch ein Live-Interview mit Alexander Kaschte (Ihro Hoheit Frontveganer von „Samsas Traum“) – und dazu Ausstellungen junger Künstler wie Senrek oder Christian Lebrecht.

Auch Sascha Mersch macht sich häufiger auf den Weg in die Peripherie. Der Berliner Musiker ist hier Dauergast: Dieses Jahr war er schon mehrmals als Support- oder Hauptact in der Galerie. So auch vor Schneewittchen – den offensichtlichsten Bogen zu den Hannoveranern schlagen die Albentitel. Schneewittchens neustes Werk trägt den Titel „Perlen vor die Säue“, und Sascha Merschs Album den Namen „Perlensau“. War’s das an Parallelen? Der Gestus auf der Bühne ist jedenfalls, im Gegensatz zu Schneewittchens Performance, ungeschönt und fast schon schmerzhaft puristisch. Piano, Stimme, vertonte Gedichte: Die drei Säulen, auf die Merschs Musik sich stützt, tragen mühelos ein ganzes Schloss voller verborgener Schätze, dunkler Winkel, Abgründe und Prunk. Jenseits von verklärter Romantik und allegorischem Kitsch tut sich so eine neue Welt auf, die den Zuhörer ganz in ihren Bann zieht – oder ihm einen Schrecken in die Glieder jagt. Sascha Mersch ist das egal, er singt, schlägt das Piano, als gäb’s kein morgen, und liefert eine Show ab, die nicht nur durch ihre Ehrlichkeit überzeugt, sondern auch durch eigenwilliges und avantgardistisches Songwriting. Eine Klammer um seine eigenen Kompositionen bilden am 27. November zwei Coverversionen: Als Einstieg gibt es „Please Please Please Let Me Get What I Want“ von den unvergleichlichen Smiths, und zuletzt wagt er sich an David Bowies „Five Years“. Was für ein Set!

Um die Musik von Marianne Iser und Thomas Duda, die nun schon seit einigen Jahren unter dem Namen Schneewittchen bekannt sind, zu verstehen, muss man sie wohl live erleben. Denn die Präsenz des Duos auf der Bühne geht weit über das hinaus, was Mariannes Stimmgewalt an Möglichkeiten ohnehin schon bietet. Ob es so etwas Esoterisches ist wie Aura, etwas Märchenmagisches oder schlicht eine großartige Performance: Vom ersten Ton an fesseln Schneewittchen das Publikum, Marianne tanzt, singt, schreit, flüstert, mal schrill, selten nachdenklich, aber immer mitten aus dem Herzen. Ein authentisches Kunstwerk, lebend und pulsierend, im Korsett verschnürt wie ein großes, lautes Geschenk. Bei „Perlen vor die Säue“, dem Titelstück des besagten aktuellen Albums, verlässt sie die Bühne und konfrontiert das Publikum aus nächster Nähe. Sie zerreißt eine Perlenkette und wirft den Schmuck mit aufreizender Nonchalance ins Publikum, ein Akt, der in etwa widerspiegelt, was Schneewittchen vom großen Reibach halten. Bloß weg damit – nicht verrenken, sondern verschwenden, keine „süße, süffige Seichtigkeit“, dann lieber süffisant an die eigenen Träume klammern. Und in der Tat werden alle sich aufdrängenden Vergleiche mit Rosenstolz oder auch Nina Hagen hinfällig, denn Schneewittchen sind einfach nicht im gleichen Maß massentauglich. Der Spaß an der Provokation ist nicht gespielt, sondern scheint aus tiefster Seele zu kommen. Kein Wunder also, dass mit Liedern wie „Kaltes Hannover“ immer wieder bittere Sozialkritik durchschimmert. Die beiden Musiker haben ganz offensichtlich keine Angst, sich die Finger zu verbrennen, bringen Themen wie Sadomasochismus oder Genderbending aufs Tapet, als wär’s selbstverständlich, und haben in der Vergangenheit eine ganze Reihe Performances mit suizidgefährdeten Frauen auf die Beine gestellt. Bei so viel glaubhafter Offenheit wäre es eine Schande, wenn das Publikum nicht an Schneewittchen festhielte wie der holde Königssohn an seiner angebeteten Märchenprinzessin. Ein märchenhaftes Happy End gab’s in jedem Fall, haben Schneewittchen doch mit zwei neuen Liedern in der Zugabe die Vorfreude auf alles geweckt, was da noch kommen mag.

Schneewittchen bei MySpace: myspace.com/schneewittchenvonhannover
Schneewittchen offiziell: www.schneewittchenmusik.de

Sascha Mersch bei MySpace: myspace.com/saschamersch
Sascha Mersch offiziell: www.sascha-mersch.de

theARTer Galerie im Netz: www.thearter.de

Wie dem auch sei, um ein Haar ereilte eben dieses Schicksal auch ein wahrhaft fantastisches Album jüngerer Vergangenheit. Dabei hatten mich die Norweger Madder Mortem mit ihrem mittlerweile fünfte Album “Eight Ways” beim ersten Anhören einfach nur umgehauen. Schon eine Schande, dass ich noch nie zuvor von diesen herrlich unprätentiös spielenden Progressive Metalern gehört hatte.

Madder Mortem: “Eight Ways”
(VÖ: 22.05.2009)
Und dass Madder Mortem anders sind als die Frickelfreunde von Dream Theater und Co., merkt man schon an den ersten Tönen des Openers “Formaldehyde” (interessanter Titel übrigens): In einem geheimnisvollen Hintergassentreffen begegnen sich audiophil hallend zehenspitzentänzelnde Bassläufe und das vorsichtig tastende Schlagzeug (dann eher ein Tastzeug) und bekommen Gesellschaft von zwei jazzend daherschwankenden, unverzerrten E-Gitarren und trippelnder Percussion… Und dann diese Stimme! Agnete M. Kirkevaag erinnert herrlich an ihre große Landsfrau Kari Bremnes, welche wiederum mit ihrer warmen Stimme bereits seit Jahrzehnten poppigen Jazz mit diesem “typisch nordischen” Touch versieht… Seelenwärme im rauen Nordklima, ihr wisst schon. Emotional und reif, nicht so ein Gekiekse oder Operngeträller wie bei diesen ganzen Melometalgoten. Es liegt wohl an der ausgereiften vollen Stimme, der es trotz ihres mal ganz vorsichtig formulierten “mütterlichen” Klanges nicht an Interessantheit und Intensität mangelt. Mehr Beweise für die verblüffende Ähnlichkeit dieser beiden Damen? “Riddle Wants to Be”. Bevor hier nämlich in ein metallös-infernales Riffgeböller abgefeuert wird, darf man in angenehmen Jazzpop baden. Noch eine Kostprobe? “Armour”, ohne Worte:

In den heftigeren Passagen – und die gibt es nicht zu knapp – werden übrigens auch Erinnerungen an die großartigen Amaran (R.I.P.) wach. Auch die von uns vor nicht allzu langer Zeit vergötterte Rose Kemp darf hier als Referenz herangezogen werden, so man denn überhaupt schon mit der Musik dieser hervorragenden, nicht eindeutig eintütbaren Garagengöttin machen durfte.

Ihre Wurzeln haben Madder Mortem, die es immerhin bereits seit 1993 gibt, im Doom- und Gothicbereich. Gelegentlich blitzt ein hier und da noch ein Gothicdrive durch, was durchaus nicht unangenehm klingt… natürlich nicht von der Art Pannesamt und Patchouli, sondern eher Erdigkeit und Endzeitstimmung wie sie in etwa stes bei Sentenced herüberkamen. Gerade solche Melodien sind es dann auch, die gerade bis in die Albummitte hinein gut ins Ohr gehen und für ordentlich Abwechslung sorgen.

Doch leider schwächelt das Album hintenraus auch ein bisschen. Die Songs erscheinen nicht mehr ganz so griffig und man bekommt ein bisschen den Eindruck als wollte man die unausgereifteren, sperrigeren Kompositionen ans Ende der Scheibe stellen, so ganz nach dem Motto: Besser hintendran als unter den Tisch fallen lassen. Manchmal ist weniger jedoch mehr und allein die ersten 40 Minuten des Albums sind den Kauf schon wert. Aber gut, andererseits tun die Stücke ab “The Flesh The Blood And The Man” auch nicht weh und es steht dem Hörer frei, aufzuhören und einzusteigen wo er mag. Schließlich ist es irgendwo auch die Intensität von Agnetes Powerstimme, die einen irgendwann in die Knie zwingt.

“Eight Ways” ist trotz des schwächelnden Endes definitiv unter die unkonventionellen Topmetalalben des Jahres zu zählen. Selbst aufgeschlossene “Nicht-Metaller” könnten dieser Musik sehr wohl etwas abgewinnen, denn eine musikalische Offenheit wie sie Madder Mortem an den Tag legen, wünscht man sich heutzutage nur zu oft:

Entdecken, Grenzen ausweiten, Brücken schlagen, alte Wände einreißen, neue Häusle bauen… Es ist schön, den offen agierenden Norwegern dabei über die Schulter hören zu dürfen.

>> Offizielle Homepage:
www.maddermortem.com

Per Titelsong steigen CAIN’S DINASTY mit einem fulminanten Paukenschlag in das Album ein – eine grandiose Uptempo-Granate, die wie eine etwas morbidere Ausgabe der besten Songs vom HAMMERFALL-Debüt daher kommt. Die Nummer ist einfach ein Volltreffer und die Hooklines können eigentlich gar nicht von dieser Welt sein, so schön sind die. Es folgt mit ‘Two Seconds To Forget Your Name’ ein heavy Midtempo-Song mit Gothic-Flair, der vor allem wieder von einem galaktisch geilen Chorus getragen wird, wo eine rülpsig-böse Flüsterstimme den klaren, druckvollen und sehr ausdrucksstarken Gesang von Ruben Picazo kontrastiert. Aber auch die angenehm klare, reiche und sehr prägnante Gitarrensprache von Roberto Garcia und J.J. Ruiz sammelt emsig Pluspunkte. ‘Under The City Lights’ geht als Symphonic Progressive Metal durch, dramaturgisch dichter Aufbau, etwas schleichend Bedrohliches baut sich in den Strophen auf, das sich in einen gradlinigen, eingängigen Refrain entlädt. ‘Remember The Tragedy’ ist eine unter die Haut gehende, hymnische Ballade der Extraklasse.

Leider können CAIN’S DINASTY das atemberaubend hohe Niveau der ersten vier Songs im Folgenden nicht ganz halten, doch hervorragende Qualität liefern sie weiterhin ab. Schöne Gesanglinien, mitreißendes Riffing und facettenreiche Songstrukturen machen “Legacy Of Blood” zu einem genussvollen Power-Metal-Erlebnis. Das letzte Fünkchen Genialität fehlt in der zweiten Hälfte der Scheibe meist noch. Großes Kino ist auf jeden Fall aber auch das in spanischer Sprache vorgetragene ‘Infancia Eterna’ mit seinem energisch-treibenden Grundton und den DIMMU BORGIR-mäßigen Eruptionen. Die Schnulze ‘Come To Me’ ist der einzige richtige Ausfall der Scheibe, einfach zu langweilig und im Vergleich zum Rest nicht ebenbürtig. Das aufbrausend schnelle ‘Taking A Look’ mit seinen diabolischen Keyboards sorgt dann aber noch für einen mehr als versöhnlichen Abschluss.

Fazit: CAIN’S DINASTY haben so gut wie alles richtig gemacht und gehören für mich mit ihrem Debüt “Legacy Of Blood” zu den stärksten Newcomers des Jahres 2008. Derart spielfreudige, ideenreiche und kreative Bands braucht die Power-Metal-Szene so dringend wie ein Indianer-Häuptling einen zweiten Arsch nach einem Fünf-Tage-Ritt. Bleibt zu hoffen, dass die Jungs es schaffen, genügend Fans auf sich aufmerksam zu machen. Wäre verdammt schade, wenn dieses tolle Album in der Flut der Veröffentlichungen untergeht. Die Zielgruppe zwischen HAMMERFALL, GAMMA RAY, RHAPSODY und TIERRA SANTA möge bitte unbedingt Ausschau halten nach “Legacy Of Blood”. You won’t regret it!!

Homepage: www.cainsdinasty.com

Dieses Album steckt voller Schwermut und Schmerz, es ist zerbrechlich und dunkel, überaus intensiv und auf seltsame Weise liebevoll. Trotz aller Ernsthaftigkeit, Tristesse und Verzweiflung zieht einen “Turning Season Within” nicht runter, sondern hüllt einen wie eine gute Flasche schwerer Rotwein in eine angenehme Wärme und Tiefe ein. Denn es ist eine zarte, hingebungsvolle Verzweiflung, eine Melancholie, die weiß, dass es auch schöne Seiten im Leben gibt. DRACONIAN bezaubern mit einer Klang gewordenen Poesie des Leidens. Sie finden mit traumhafter Sicherheit das richtige Maß in allem was sie tun. Auch wenn die Zutaten ihrer Musik im Grunde hinlänglich bekannt sind, ist hier keine Spur von Trauerweiden-Kitsch und tumben Klischees zu entdecken. Besonders faszinierend finde ich den Wechselgesang von Anders, der rollende Growls und mit majestätischer Stimme gesprochene Parts einbringt, und Lisa, deren sehr schöne, klare, völlig natürlich wirkende Stimme wie ein Hoffnungsschimmer durch die Lieder gleitet. Klagende Melodien tragen zutiefst berührende, prachtvolle Songs wie den Opener ‘Seasons Apart’, ‘Not Breathing’ oder ‘Bloodflower’ und lassen einen alten PARADISE LOST-Fan wie mich mit zufriedenem Lächeln feststellen, dass ich nun doch noch die Platte bekommen habe, die ich immer wollte, nämlich eine die stilistisch in der Mitte zwischen “Shades Of God”, “Icon” und “Draconian times” liegt.

Notorische Nörgler könnten eventuell bekritteln, dass es nicht allzu viel Abwechslung gibt auf “Turning Season Within”. Meiner Ansicht nach haben diejenigen aber nicht wirklich verstanden, worum es geht, denn eine gewisse Gleichförmigkeit und Behäbigkeit sind bei DRACONIAN einfach unverzichtbare Stilmittel, die dafür sorgen, dass man tiefer und tiefer in die Stimmung dieses Albums hinein gezogen wird, bis man schließlich alles um sich herum vergessen hat. Und eben weil die Scheibe so fesselt und mitreißt ist “Turning Season Within” ein Meisterwerk des Gothic Doom und wird hoffentlich zahlreiche Liebhaber finden, die sich gerne mal wieder in einem wohlig warmen Düster-Meer treiben lassen wollen.

Surftipps:
Draconian
Napalm Records

Oi, was ist das? Eine dunkle Welle rollt über mich hinweg. Finster und unheimlich. Nächster Track *zapp*. Nanu? Das kenn ich irgendwo her. Klingt leicht wie Iron Maiden und Kiss. Bild? HUCH, die sehen aus wie Kiss, die Haare strotzen jedoch normalen physikalischen Gesetzen. Nächster Track *zapp*. Boah, das hier hört sich jetzt an wie’n bisschen britischer Rock, so wie man ihn um die späten 90er kannte. Ein Merkmal haben alle gemeinsam: Alle sind sie auf japanisch. Welcome to J-Rock. Das Angebot ist riesig. Hier haben wir “the pillows” (Kleinschreibung beachten). Indie British Rock auf japanisch und englisch. Vielleicht kann man sagen, sie seien die japanischen Oasis? Ich finde, das trifft’s ziemlich gut. Die Inhalte der Texte kennt man von diversen Pop-Rock Bands, jedoch macht der Mix aus japanisch und englisch die gesamte Sache sehr hörenswert.
Dir en Grey kommt nun. Starke Drumintermezzi und eine Mischung aus klaren, hohem maskulinen Gesang und undeutbaren, aggressiverem Kreischen. Sehr melodisch und gitarrenlastig. Um es abwertend ausdrücken, hat’s was von Nu Metal. Jedoch empfinde ich, wenn ich Dir en Grey und z.B. Linkin Park vergleichen müsste, eine riesige Lücke zwischen den Bands, bei der Dir en Grey bedeutend höher in meinem persönlichen Ansehen ist. Teilweise ist die Grundstimmung etwas düsterer und alle Songs enden mehr in einen verbalen Konflikt zwischen hoffender Verzweiflung und Wahnsinn. Dennoch sehr rocklastig, nicht so im Vergleich zu Moi dix Mois. Ehrlich gesagt, hab ich noch nicht viel von den gehört, aber die wenigen Songs haben mir folgende Gemeinsamkeiten gezeigt. Düster ist kein Ausdruck. Man könnte meinen, es wäre ‘ne Gothic-Band. Naja stimmt auch, sie sind eine Gothic-Band mit japanischen Texten, ergo J-Rocker. Der frequentierte Einsatz von Keyboard/Synthesizer-Instrumenten gibt der dunklen Welle einen leichten apokalyptisch-nekrotischen Touch. Für Goth-Discos wärs was feines zum “Tanzen”, da die Tracks in sich geschlossen weniger progessiv sind.

Die heutige Hauptattraktion: X-JAPAN.
Eine J-Rock-Legende, in Studios und auf Bühnen seit 1987, aktiv schon einige Jahre zuvor mit bis zu dem Datum häufig wechselnder Besetzung. Ursprünglich dem Speed Metal zuzuschreiben, wechselten sie bis 1997, zum Zeitpunkt ihrer Auflösung, in die Alternative Rock-Schiene. Schon zu ihrer Manifestationszeit um 1987 gehörten Hard Rock-Balladen zu ihrem Repertoire. National erregten X-Japan viel Aufsehen für ihren doch sehr untypischen Musikstil, wie man ihn nur aus westlichen Ländern kannte. Dazu kam die starke Neigung zu feminin wirkender Kleidung, samt Make-Up und hohen bunten Frisuren. Solche Paradiesvögel waren international nicht lange unbekannt. X-Japan waren seitdem die Begründer des “visual kei”, dem “visuellen Stil”. Während ihrer Erfolgszeit war die Besetzung mit fünf Mitgliedern bis auf einen Wechsel beständig. Den Gesang steuerte Deyama Toshimitsu, auch bekannt als “Toshi”, bei. Mit einen Stimmumfang von drei Oktaven besitzt Toshi selbst für ein ungeschultes europäisches Hörorgan einen hohen Wiedererkennungswert. Bemerkenswert ist die Glaubwürdigkeit der Emotionen, die er an den Tag legt, was ich nicht gerade von vielen westlichen Vocalists sagen kann. J-Rock wäre kein Rock, wenn nicht ein Gitarrist die Reihen besetzt. Im Falle X-Japan sind es zwei. Matsumoto Hideto, alias “hide” und Ishizuka Tomoaki, als “Pata”. Obwohl hide als Leadgitarrist in vielen Songs seine akustische und visuelle Dominanz gegenüber Pata ausspielt, so ist er zusammen mit Pata in der Lage perfekt synchron zu spielen. Während Pata sehr zurückhaltend und schüchtern wirkt, ist hide das komplette Gegenteil mit seinen grundsätzlich pinken Haaren und sehr weiblichen Kostümen. Am Bass treffen wir von 1987 bis 1992 Sawada Taiji und bis 1997 Morie Hiroshi, a.k.a. Heath, an. In der Speed Metal-Ära der frühen Jahre spielte Taiji bedeutend progressiver und funkiger als Heath, der eher den Bass harmonisch spielt. Oft ein Kritikpunkt der Fans, da Heath als Taijis Nachfolger dessen aggressives Bassspiel nicht beherrscht. Mit dem Fortgang von Taiji erkennt man deutlich den Stilwandel der Band.

Bisher versammelt sich eine ziemlich leistungsstarke Truppe, jedoch fehlt der absolute Schwarm der Fans und das Multitalent der Band: Hayashi Yoshiki, in Rosen badend mit langen Kleidern und langem gelockten Haar. Songwriter, Drummer, Pianist und Bandleader in einer Person und wenn man es nicht besser weiß, könnte man meinen, die zarte Person mit Make-Up und rosa-lila Gewändern wäre eine prüde, schüchterne und schönheitsartikelverschlingende Frau. Oberflächlich ja, aber innerlich das komplette Gegenteil. Stop being so stereotypical!!! Innere Werte zählen… öhmm… jo, doofer Spruch an der Stelle. Während alle Mitglieder visuell eher fragil wirken, so sind die Lyrics einfach nur konträr. Und wer schreibt die? Genau, alle Texte entstammen Yoshikis Kopf. Vergänglichkeit im Sinne von Mord, Suizid und negativen Emotionen ziehen sich durch beinahe alle Songs. Liebe, Verzweiflung, Schmerz und Schönheit kommen vor allem bei den Balladen ans Licht, jedoch “Happy World” ist ein Fremdwort für X-Japan. Sprache? Natürlich japanisch, jedoch auch hier und da einige Brocken Englisch. Vorallem die Balladen sind durch die dominanten Pianoeinflüsse sehr emotional, was durch Toshis Stimme nochmal verstärkt wird. Klassische Musik in Form von orchestraler Unterstützung hat einen merklichen Einfluss. Wenn man in die vergangenen Jahrhunderte der europäischen Geschichte schaut, so findet man meisterhafte Schwarz-Weiß-Tastendrücker wie Mozart und Beethoven, die diese Zeit prägten und die Kaviermusik an Europa, vorallem an den Wiener Hof banden. Als typisch westliches Merkmal aufgenommen, findet sich dieses Element mit dem Schönheitswahn des Barocks in den Live-Auftritten der Band wieder.

All dieses Unjapanische und Gewalttätige sorgten für Aufsehen und Anerkennung. Selbst zehn Jahre nach ihrer Trennung werden X-Japan immer noch ihrem Ruf gerecht. Anders als Fantasy-orientierte Kriegsklänge und epische Szenarien attackiert X-Japans Musik ihre Fans direkt in einer Intensität, die akustisch und visuell atemberaubend ist. Die Thematik ist zeitlos und das Zusammenspiel und die Aggressivität verleihen mir das Gefühl, als ob ein Vulkan von Emotionen in mir explodiert und man innerlich auf ein Schlachtfeld geworfen wird. Musik zum Abreagieren also? Nicht im geringsten, sie pumpt auf und zwar gewaltig.

Im Herbst 2007 überraschte die alte Formation X-Japans mit ihrer Wiedervereinigung und dem Release des Endingsongs des Films Saw4. Bis auf hide, den Bandliebling der Fans, der 1998 aus ungeklärten Umständen starb, sind X-Japan wieder komplett am Start.

X-Japan – “Scars” (Promotional Video) [1996]

X-Japan – “Say Anything” (Promotional Video) [1991]

J-Rock in a Nutshell.
Heile Welt ist bisher Fehlanzeige im gesamten J-Rock-Genre. Überwiegend werden zwischenmenschliche Beziehungen aus misanthropen Augen verarbeitet. Suizid, Selbstverstümmelung und Leid, im Gothic-Schlafrock serviert auf einem heißen Tablett von apokalyptischer Stimmung. Sowohl melodisch, so als auch progressiv spielen die vom Leben gepeinigten Künstler, die ihren Gefühlen freien Lauf lassen. Man begrenzt sich dabei aber nicht nur auf die typischen Instumente von Rock und Metal, man bezieht auch klassische Instrumente, wie Piano, Streichinstrumente und zu großen Teilen Synthesizer ein. Pop-Rock oder eher metallastig, es ist für alle was dabei. Come in and find out, “komm rein und find wieder raus.”
We are J-Rock, resistance is … fu-TIIIIIIILE *extrem hoch kreisch*. Achja, sehr hohe männliche Stimmen sind cool.

Dies war das erste Kapitel des großen Buches ostasiatischer Gitarrenmusik. Die Geschichte geht weiter und ich werde euch tiefer in den Kaninchenbau des J-Rock führen und zusammen werden wir die schwarzen und hochgegelten, pinken Geschichten dieses schrillen und düsteren Genres erforschen. Ich lade euch ein, nehmt euch ein Stück des J-Rock-Kuchens von der großen Kaffeetafel der Musik.

Anfang 2007 hat sich zu den Brüdern Carmelo und Giuseppe Orlando Bassist Luca Giovagnoli zur Truppe gesellt. Laut Bandpage hat dieser auch gehörig zum neuen Album “The Blue” beigetragen. Das hört man vor allem am mächtig fetten Sound, der natürlich auch dem renommierten Produzenten Mikko Karmila (Finnvox Studios) zuzuschreiben ist.

The Blue – (05.11.2007)

- Anaemia
- Triesteitaliana
- Cobalt Of March
- Bluecracy
- Architheme
- Nascence
- Iridescence
- Sound Odyssey
- Cantus Christi
- Zenith
- Argentic
- Deorbit

Was nun “The Blue” am meisten von “Materia” unterscheidet, ist die dankenswerterweise wiedererlangte Heaviness: Passive Traurigkeit und Hoffnungslosigkeit schlägt durch intensive Brüller Carmelos, irgendwo zwischen Death- und Schwarzmetall, in die tosende Wut eines Ozeans um. Auf der anderen Seite gibt es auch stille Wasser auf “The Blue”, und die sind bekanntlich tief: Die altbekannten akustischen Passagen muss man hier also nicht missen. Songs wie “Triesteitaliana” stehen als Beweis dafür, dass dieser Antagonismus nahezu bruchlos klappt.

Nahezu, das deutet darauf hin, dass “The Blue” doch mit ein paar Abstrichen zu genießen ist. “Zenith” erinnert zum Beispiel an die glorreichen Tage von “Novembrine Waltz”: “It seems so long, shining bright…” Gleich eine ganze Textzeile wurde hier von “Come Pierrot” entnommen… und das scheitert irgendwie. Wehmütig muss man an die Tage denken, als die Venezianer dieses Meisterwerk geschaffen haben: Viel schlüssiger erschienen die Stücke, verschiedenste Emotionen wurden klar auf den Punkt gebracht. “The Blue” ist recht schwierig, vom Songwriting her sogar noch etwas uferloser als “Materia”, doch trotz dem fließenden Wechsel von Raserei und Zerbrechlichkeit wirkt “The Blue” mit seinen zwölf Stücken manchmal zu langatmig und verwässert geraten. Man hat außerdem den Eindruck, dass hier keine Songs an sich geschrieben wurden, sondern dass alles recht untransparent geschrieben in einem Ozean schwimmt. So lässt sich aber noch lange Zeit viel Neues auf “The Blue” entdecken. Auch wem der weinerlich-säuselnde Gesang Carmelos – im Kontrast zum Geschrei – bisher übel aufstieß, der wird ganz besonders mit den fragilen Parts auf “The Blue” seine Probleme bekommen. Fans von Opeth, Anathema, Paradise Lost oder Katatonia können bei diesem Rundling jedoch einmal mehr bedenkenlos zugreifen.

Einen ersten Eindruck liefert übrigens das Video zu “Anaemia”:

NOVEMBRE – Anaemia

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Offizielle Novembre-Homepage: www.novembre.co.uk
Novembre @ Myspace: www.myspace.com/novembre1
Mini-Webseite @ Peaceville: www.peaceville.com/novembre/

Am 25. Mai startete die mittlerweile schon 16. Ausgabe eines der weltweit größten Gothic Festivals überhaupt, dem Wave-Gotik-Treffen zu Leipzig. Um die 20.000 schwarze Seelen waren wieder einmal an den vier Pfingsttagen zugegen.

Nach wie vor ist die unglaubliche Bandbreite an Künstlern sowie deren Auftreten an über 20 Spielorten Leipzigs, vom kleinen Club über Freilichtbühnen bishin zum Schauspielhaus, die große Stärke des Festivals. So ist alljährlich die ganze Stadt für ein verlängertes Wochenende komplett in schwarz gehüllt. Für ein abgerundetes Rahmenprogramm sorgen einmal mehr Buchlesungen, spezielle Kinoprogramme, Mittelaltermärkte und zahlreiche Diskotheken, die ihr Angebot zu Pfingsten komplett auf schwarz umstellen. Das bisherige Angebot an Künstlern ist vielfältiger denn je, RockZOOM kümmerte sich natürlich vor allem um das rockende Angebot, machte aber auch vor Folk, Mittelalter und “salonfähiger” Musik nicht Halt…

Freitag, 25.05.07.2007:

• 8:00 Uhr, eine Leipziger Studentenbude…
• ca. 11:30 Uhr, Agra-Gelände & Heidnisches Dorf – Des Teufels Lockvögel | Dunkelschön | Heidenlärm
• 16:15 Uhr, Kohlrabizirkus – Remember Twilight | Poisonblack | Entwine | Amorphis
• ca. 23:00 Uhr, Völkerschlachtdenkmal – Eröffnungsfeier “Monumentum II”

Samstag, 26.05.07.2007:

• 11.00 Uhr, Heidnisches Dorf – Dunkelschön
• 15:00 Uhr, UT Connewitz – Salonorchester Weimar
• 15:40 Uhr, Kohlrabizirkus – Amatris | Midnattsol | Disillusion | SuidakrA | Primordial | Haggard | Moonspell
• 18.30 Uhr, Parkbühne – Secret Discovery | Zeraphine

Sonntag, 27.05.07.2007:

• 14:00 Uhr, Heidnisches Dorf – Faun
• 16.30 Uhr, Agra-Halle – Felsenreich | Dope Stars Inc. | Reflexion
• 18:00 Uhr, Schauspielhaus – Estampie
• 20:00 Uhr, Völkerschlachtdenkmal – Dornenreich
• 20:55 Uhr, Moritzbastei – Elane
• ca. 23:00 Uhr, Heidnisches Dorf – Faun | Van Langen
• ca. 23:10 Uhr, Anker – Rome

Montag, 28.05.07.2007:

• 15:30 Uhr, Agra-Halle – Wolfenmond | Adorned Brood | Coppelius
• 19:00 Uhr, Werk II/Halle A – Nim Vind
• 22:20 Uhr, Moritzbastei – Dornenreich

-> Fazit

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Fotos, Einleitung, Interludien & Fazit: Katrin Kropf
Berichterstattung von den Bühnen: Katrin Kropf, Manuela Wawrzyszko

WGT 2007 – Impressionen:

WGT 2007 – musikalische Highlights: