Zünftige heidnische Dörfer, gemütliche Clubs und große Fabrikhallen, das Leipziger Kultobjekt Moritzbastei, ja sogar das Opernhaus steht den WGT-Besuchern für einige Vorstellungen zur Verfügung. So wird man dort beispielsweise die Chance bekommen, dem Ereignis von Verdis “La Traviata” beizuwohnen; in der Krypta im Völkerschlachtdenkmal wird es bombastisch zu Mozarts Requiem. Aber auch anderes Neuland wird seitens der WGT-Orga betreten: Post Rock! Wir freuen uns ganz besonders auf Caspian und Long Distance Calling.

Das Bindeglied vom postrockigen Shoegaze hinzu härteren Klängen stellen wohl Alcest dar, die mit ihrem neuen Album sogar wieder in Richtung Black Metal-Gefilde wandern. Apropos Metal – auch den gibt es dieses Jahr wieder: Poisonblack und Moonspell sind sogar Wiederholungstäter, denn sie konnten bereits beim WGT 2007 überzeugen. Lest euch generell mal unseren WGT-Bericht von 2007 durch, um einen groben Überblick über das schwarz-bunte Treiben zu bekommen.
Schaut man noch ein paar Jahre zurück, 2004 oder 2005 muss das gewesen sein, da gab es eine Band aus den Niederlanden The Wounded hießen diese Jungs, die quasi aus dem Nichts kamen und mit ihrem doombetonten Dark Rock auf Knien litten und heulten, dass man als Zuhörer nicht anders konnte als mitfühlend auch ein Stück in die Tiefe zu gehen.

Als leckere Folkhappen haben wir uns mal die Elektrofolker Valravn und unsere schwedischen Folk Metal-Lieblinge Fejd notiert. Das avantgardistische Sahnehäubchen ist dieses Jahr sicher Jarboe, doch es gilt bei allen “unbekannten” Namen noch einmal reinzuhören und auf Neues zu stoßen.
Dazu eignet sich besonders die “Hauptschlagader” des Festivals, das Agra-Gelände im Süden der Stadt, wo auch auf dem Zeltplatz mittels der auf 9.999 Stück limitierten Obsorgekarte genächtigt werden kann. Zu dieser Karte (nochmal 25 €) gibt es den “Pfingstboten”, das üppige, liebevoll aufgemachte Programmbuch. Außerdem ist die Agra-Halle wieder einmal auch der Ort des riesigen Gothic-Marktes, wo der Besucher allerhand Neckisches, Schönes und Absonderbares bekommt, was das dunkle Herz begehrt. Neben den vielen Konzerten wird das Treiben außerdem von Lesungen, Ausstellungen, Theateraufführungen und Parties bis in den Morgengrauen abgerundet. Der Eintritt ins Bildermuseum ist mit Festivalbändchen übrigens auch frei.

Wir werden natürlich ausführlich berichten und hoffen, auch euch in diesem schwarzen Getümmel zu treffen!

Hier nochmal alle Infos auf einen Blick:

Wann? 21.-24.05.2010
Wo? Leipzig, 40 Veranstaltungsorte
Wo noch? www.wave-gotik-treffen.de

Wie viel?
4-Tages-Ticket inkl. ÖPNV Stadtgebiet Leipzig: 66 € (inkl. VVK-Gebühr)
Obsorgekarte (“Pfingstbote” und Zeltplatznutzung): 25 € (inkl. VVK-Gebühr)

Wer? (Stand: 18.04.2010)
Alcest (F) – Alien Sex Fiend (GB) – Alight (I) – Ambassador 21 (BLR) – Andrew Liles (GB) – Arcana (S) – Arctic Plateau (I) Weltpremiere – Ashes You Leave (HR) – At The Soundawn (I) – Attrition (GB) – Auto Auto (S) – Autoclav1.1 (GB) – Beloved Enemy (D) – Bettina Köster (D) – Big Boy (USA) – Biomekkanik (S) – Blind Cave Salamander (I) – Bloody, Dead & Sexy (D) – Bollock Brothers (GB) – Brendan Perry (IRL) – Brigitte Handley & The Dark Shadows (AUS) – Bury Me Deep (D) – Caspian (USA) – Catastrophe Ballet (D) – Cephalgy (D) – Chameleonsvox (GB) – Christ Vs. Warhol mit Eve Ghost (USA) – Chrysalide (F) – Cinderella Effect (D) – Cobra Killer (D) – Colin Potter (GB) – Colony 5 (S) – Conjure One (USA) – Crematory (D) – Death Of A Demon (D) – Decadence (GR) Weltpremiere – Demented Are Go (GB) – Der Fluch (D) – Dexy Corp. (F) – Diary Of Dreams (D) – Dr. Mark Benecke (D) – Eisheilig (D) – Elegant Machinery (S) – Endanger (D) – Endless (D) Wiedervereinigung – Escape With Romeo (D) – Ext!ze (D) – Faith & The Muse (USA) – Feeding Fingers (USA) – Fejd (S) – Felsenreich (D) – Fjernlys (D) – Flint Glass (F) – Future Trail (D) – Gene Loves Jezebel (GB) – Geneviéve Pasquier (D) – Genitorturers (USA) – Ghost Brigade (FIN) – Ghoultown (USA) – Gitane Demone (USA) – HTRK (GB) – Hide & Seek (F) – In Strict Confidence (D) – Indukti (PL) – Irr. App. (Ext.) (USA) – Jabberwock (F) – Jarboe (USA) – Joe Black (GB) – Joy Of Life (GB) – Joy/Disaster (F) – Kiew (D) – Kirlian Camera (I) – Kitty In A Casket (A) – Koffin Kats (USA) – Kommunity FK (USA) – Kryptonix (F) – La Magra (D) – Lacrimosa (D) – Lealoo (CZ) – Leichtmatrose (D) – Libra (S) – Liquid Divine (D) – Loell Duinn (HR) – Lola Angst (D) – Long Distance Calling (D) – Lord Of The Lost (D) – Luxury Stranger (GB) – Lyronian (D) – Madre Del Vizio (D) – Militia (I) – Modulate (GB) – Mona Mur & EN Esch (D/GB) – Mono No Aware (D) – Moon Far Away (RUS) – Moonspell (P) – Morlocks (S) – MS Gentur (D) – My Friend Skeleton (D) Weltpremiere – My Insanity (D) – Nahemah (E) – Neon (I) – Novalis Deux (D) – Noyce TM (D) – Nude (D) – Nurse With Wound (GB) – Oberer Totpunkt (D) – Omega Lithium (HR) – Orange Sector (D) – Orgonautic (D) – Phallus Dei (D) – Poisonblack (FIN) – Punish Yourself (F) – Rabia Sorda (MEX) – Raum41 (D) – Rawkfist (D) – ReActivate (D) – Revolution By Night (GB) – Richard Ruin & Les Demoniaques (D) – Roman Rain (RUS) – Rotersand (D) – S.E.T.I. (GB) – S.I.T.D. (D) – S.P.O.C.K (S) – Samsas Traum (D) – Schallfaktor (D) – Schneewittchen (D) – Seelenzorn (D) – Seventh Harmonic (S/GB) – Sex Gang Children (GB) – Sigillum S (I) – Slave Republic (D) – Sol Invictus (GB) – Solemn Novena (GB) – Suicide Commando (B) – The Brains (CDN) – The Crystelles (USA) – The Deep Eynde (USA) – The Essence (NL) – The Golden Apes (D) – The Grapes Of Wrath (D) – The Klinik (B) – The Lovecrave (I) – The PCP Principle (GB) – The Pussybats (D) – The Raven (USA) – The Sun And The Moon (GB) – The Violet Tribe (D) – The Vision Bleak (D) – The Wounded (NL) – This Morn’ Omina (B) – Trial (D) – Twinkle (F) – Twisted Nerve (GB) – Valravn (DK) – Vigilante (RCH) – Violet (D) – Voices Of Masada (GB) – Welle:Erdball (D) – X Marks The Pedwalk (D) Exklusive Wiedervereinigung – Zeraphine (D) – Zeromancer (N) – Zwielicht (D)

Vor so ziemlich genau drei Jahren veröffentlichten die Musiker um Michael Tyack ihr Album “Clocks are like People”, mein Einstieg in ihre kleine heile Mittelalter-Hippie-Welt. Wer das bunte Treiben dieser abwechslungsreichen CD hört, bekommt keine lauten E-Gitarren und eskapadische Schreie um die Ohren geweht. Vielmehr gesellen sich Flöten, Lauten, warme Bässe sowie Moog- und Synthiespäße in frivoler 70er-Jahre-Manier zu den zauberhaften Stimmen von Mr. Tyack und der elfengleichen Holly-Jane Shears. Das alles in todsichere Ohrwurm-Melodien verpackt. Zu seinen Einflüssen berichtete mir Michael damals:

Meine Haupteinflüsse sind Bands wie Trees, Fuschia, COB und der Rest der Underground Progressive Folk Bands der frühen 70er Jahre. Ich habe Syd Barrett auch immer geliebt. Mit Jethro Tull und The Incredible String Band bin ich etwas wählerisch, manchmal haben sie die „Essenz“ gezeigt, manchmal nicht.
(Michael Tyack, September 2006 für metalius.de)

Jedenfalls haben Tull sich einst gern in knallengen bunten Strumpfhosen und mit Piratenschiffen auf der Bühne gezeigt und zumindest dahingehend teilen diese Briten von damals und heute noch ein gewisses Faible für ausgefallene Accessoires…
Wer nun immer noch kein Bild vor Auge hat, schaut und hört sich mal diesen feinen, äußerst repräsentativen Song an, der die fetzige Schrulligkeit dieser Zauberfeen wunderbar einfängt:

Circulus ist verspielte Musik für naive Tagträumer, nicht ohne hier und da auch denjenigen an der Nase herumzuführen, der denkt dies sei wirklich nur hohle Maskerade. Es steckt vielleicht ein bisschen mehr dahinter als Realitätsflucht. Wer sich selbst mit Humor nimmt, hat den Ernst reflektiert und sucht seine Unabwendbarkeit mit dem Witz erträglich zu machen… Es sieht danach aus, dass dieser steppenwölfische Ansatz auch anno 2009 greift, sieht man sich Cover und Songtitel des neuen Werkes an…

Die CD-Fassung des aktuellen Albums “Thought Becomes Reality” wurde jedenfalls schon am 15. Juni veröffentlicht. Nun wartet auch die LP-Version – in Klang und Optik verbessert, wie uns Bandkopf Michael folgend via Myspace mitteilt – auf ihre Vollendung:

Our next task is to produce the vinyl edition mastered from 24bit files to bring you the best possible sound reproduction. The artwork will be reproduced in its originally intended brighter colours which had to be softened for the CD. Our spacecraft Zero Sector Four will come as a large fold out poster. We have space for more port holes to be added. If you wish to contribute by purchasing a port hole please email circulus.folk@virgin.net or come on board instantly through our myspace paypal button (or that email address mentioned above). Seats are again £50 and you will receive two free copies of the record. (via www.myspace.com/circulus)

Your lovely face up there in space.. Worauf wartet ihr also noch?

“Until one day Nick came into my room – and he’s a man of few words, my brother – and he said: ‘Here you are’. And he threw down onto the bed the complete record of “Five Leaves Left”. I was absolutely astonished.”

(Nicks Schwester Gabrielle Drake im Film “A Skin Too Few”)

“Five Leaves Left” ist dabei kein naturromantischer Titel vom Fall der Blätter, zumindest nicht der vom herbstlichen Baume; nein, die Rede war hier viel mehr vom Vorrat der Zigarettenpapers, der sich bei noch fünf übrigen Blatt langsam dem Ende neigte. Beide Bilder geben die Stimmung dennoch passend wieder. Das in Cambridge entstandene Debütalbum des Engländers ist ein melancholisches Herbstalbum, das trotz seiner Ruhe mit wunderbaren Melodien und Geborgenheit aufwartet, im Zentrum immer Nicks ruhige, behaglich-warme Stimme und sein klares, kräftiges und außergewöhnlich präzises Fingerpicking. Hinzu kommen, sich nicht aufdrängend aber vor allem in tieftraurigen Stücken wie “Way To Blue” hochpräsent, süßliche Streicherarrangements seines guten Freundes Robert Kirby, die dem Ganzen noch einer einsamen Melodramatik verhalfen.

Nick Drake war ein sensibler Mann, der Touren abbrach, wenn sich Leute während dem Stimmen seiner Gitarren unterhielten und scheinbar nicht zuhören wollten. Von seinen Mitmenschen wurde er aufgrund seines Talents zwar hochgelobt, Erfolg und öffentliche Anerkennung fand er zu Lebzeiten jedoch nicht (“Why leave me hanging on a star if you deem me so high?”). War er eine tragische Figur? Wer ihn nicht kennt und sein Leben im Schnelldurchlauf überblickt, wird dem vielleicht zustimmen, ihn vielleicht rasch als depressiven Faulenzer abtun, doch das würde suggerieren, dass sein Schaffen nutzlos gewesen wäre. Doch heutzutage, spätestens zu der Autowerbung mit “Pink Moon” als musikalische Untermalung aus dem Jahr 2000, ist er insbesondere bei vielen Studenten 20+ wieder populär und so war sein Werk keineswegs umsonst.

Dieses Gesamtwerk, neben “Five Leaves Left” sind das noch die Alben “Bryter Layter” und “Pink Moon”, ist übrigens in der wunderbaren Box “Fruit Tree” vereint. Die LP-Box enthält außerdem den so wunderbar gemachten Film “A Skin Too Few” auf DVD, von dem wir bereits vor einiger Zeit schrieben und das getrost als würdige Gesamtschau dieses unvergleichlichen Musikers bezeichnet werden kann. Wieder mal genau das richtige für den nahenden Herbst, für den zuende gehenden Tag…

When the day is done
Down to earth then sinks the sun
Along with everything that was lost and won
When the day is done.

(Nick Drake, 1948 – 1974)

Fejd aus Lilla Edet machen seit 2001 mittelalterlich anmutenden Folk in ihrer Muttersprache. Bis dato haben sie drei EPs herausgebracht, von denen noch zwei auf der offiziellen Webseite der Band kostenlos herunterladbar sind. Zur ersten Vorstellung verweise ich gern auf meinen Fejd-Beitrag aus dem letzten Jahr:

So steckt dieser Folk nicht nur voller traditionsreicher nordischer Instrumente (Nickelharpa, Maultrommel, Bouzouki, Hurdy Gurdy, schwedischer Dudelsack etc.), sondern hat auch viel damit auszudrücken: Akustikgitarrensoli träffar besinnlich-minimalistische Ohrwurmmelodien träffar verspieltes Alle-Beisammen-Musizieren, und oftmals brechen die Strukturen aus der typisch einfachen Strophe-Refrain-Liedelei aus und bahnen sich allein ihren Weg durch schwedische Wälder. Und dort klingt einer, als wäre er lange draußen gewesen, hätte viel kalte Luft eingeatmet: Patrik Rimmerfors ist nicht nur für die meisten Folkinstrumente verantwortlich, er übernimmt auch den Löwenanteil des äußerst angenehmen Gesangs: leicht angerauht, leicht gerollt, mal melodisch trancierend, mal feucht-fröhlich und tanzbar feiernd, doch immer mit diesem sehnsüchtig-stolzen Unterton…

Eld (2002)	Huldran (2004)	I en tid som var (2006)

So ganz traditionell geht man jedoch nicht zu Werke: Die Handhabung der Drums verleugnet die ursprüngliche Metalherkunft nicht. Keyboarder Lennart Specht sowie das Rhythmusduo Thomas Antonsson (Bass) und Esko Salow (Drums) entstammen der Metalband Pathos. Letztere haben außerdem ihre metallischen Wurzeln in Form von Nostradameus, die Power Metallern ein Begriff sein könnten. So kann man Fejd im Endeffekt vielleicht “Swedish Folk Rock” nennen… (Katrin Kropf, 04.02.09)

Da wundert es auch nicht, dass Fejd – nun endlich! – bei einem Label untergekommen sind, dass in erster Linie ganz klar für die härteren Töne steht: Napalm Records…

Napalm hat eine große Tradition mit Acts der folkigen Art. Sie akzeptierten uns und das was wir hier tun; sie helfen uns, die Musik hinaus in die Welt zu tragen. Ich denke wir können zusammen ein größeres Publikum erreichen, als es uns mit einer anderen Art Label möglich gewesen wäre. Die meisten unserer Fans scheinen eh Metalfans zu sein, daher meinen wir, mit Napalm die richtige Entscheidung getroffen zu haben. [...] Patrik and Niklas spielen zwar manchmal auch auf verschiedenen Events als Folk-Duo auf, aber mal abgesehen davon haben auch sie als Metalmusiker angefangen. Patrik an der Gitarre, Niklas als Bassist. (Esko Salow, 20.03.09)

Auch auf dem am Freitag erscheinenden ersten Album “Storm” wird dieses Konzept von “metal/rock meets swedish traditional folk” konsequent fortgesetzt. Die einzelnen Stücke sind vielleicht nicht mehr gar so eingängig wie noch auf den Demoscheiben, doch erschließt sich der tiefgründige Wert der Musik spätestens draußen an der frischen Luft, bei Wind über einem weiten Feld oder dem Anblick der ersten mutigen Krokusse. Vielfältig sind die Stimmungen auf “Storm”: mal getragen von der wunderbar sehnsüchtelnden Weite in Patrik Rimmerfors’ Stimme (Bsp. ‘Äril’, mein Favorit!), ein andermal durch den Auftritt von Gastmusikern: ausgelassene Frühlingsgefühle werden beispielsweise bei ‘Älvorna Dansar’ wach, bei dem Patrik zauberhafte weibliche Unterstützung bekommt:

Ihr Name ist Elina Tervonen. Es ist pures Glück, dass wir von ihr gehört haben als wir im Studio waren. Eines Morgens bin ich schon eher ins Studio gekommen, als Marko Tervonen, unser Produzent, ein Lied mit seiner Frau zum Besten gab. Ich dachte sie hat eine wundervolle Stimme, also haben wir das in der Band besprochen wie es wohl wäre, wenn sie auf ‘Älvorna Dansar’ mitsingen würde. Das Lied war ursprünglich für Patrik bestimmt, er musste es ihr also beibringen. Das Ergebnis der Testaufnahme war fantastisch und nun sind wir sehr dankbar, dass daraus eine Art Elina-Song wurde. (Esko Salow, 20.03.09)

Zugegeben, Folk Metal-Bands gibt es mittlerweile wie Sand am Meer. Besonders solche, die meinen müssen, etwas über alte Kriegsgötter und Saufgelage singen zu müssen. Fejd gehören ganz bestimmt nicht zu dieser Party Metal-Sippe, und wenn es in ‘Älvorna Dansar’ auch lebensbejahend und froh zugeht, so wirkt das Ganze doch wesentlich ästhetischer was sowohl die Musik als auch die Texte angeht. Nun ist ja nicht jeder der schwedischen Sprache mächtig. Umso besser, dass es sich bei Fejd über die Jahre hin eingebürgert hat, dass die Texte auf der offiziellen Bandseite parallel auf Schwedisch und als englische Übersetzung zu lesen sind. Esko hat für uns vorab schonmal ‘Älvorna Dansar’ ins Englische übertragen:

Die Themen unserer Musik variieren stark und sind auch in sehr poetischem Schwedisch geschrieben, daher ist es schwierig und auch nicht ganz fair für Patrik, der auch immer die Texte schreibt, ins Englische zu übersetzen. Aber für euch werde ich es mal probieren:

Älvorna Dansar (Dance of the fairies)

Enchanting beauty in the dance of fairies
Shimmering being of light
Tears of silver in (Daggkåpa = Alchemilla Vulgaris, a plant) embrace
Twilight carefully falls

A mother of age so old and worn
still searching for the traces
She follows the paths in the green moss beds
A feather bed without life

See them then follow them tonight

Fairies dancing wildly on moon steep meadows
Silver covered is the ground in wizardry’s garb
A mirage made of light so captivating and tempting
Tones of a song with appealing words

Wandering souls they float as haze
Arched in the play of the fairies
The grieving mother falls to her knees of pardon
The children of the forest are here

See them then follow them tonight

Fairies dancing wildly…

Das ist nicht ganz akurat, aber nahe dran. Und wie ich bereits anmerkte: gegenüber Patrik nicht ganz fair, da die Texte auf Schwedisch natürlich viel besser klingen.

Der Beginn des folgenden ‘Vid Jore Å’ erinnert angenehm an die schwedischen Folker TRIAKEL, welche sich zusammen mit GARMARNA die wunderbare Emma Härdelin als Sängerin teilen. Die typisch schwedischen Melodien erhalten bei Fejd jedoch durch das zusätzliche Schlagzeug einen derartig unwiderstehlichen Drive, der dann doch eher an letztere Band, HEDNINGARNA oder VÄSEN erinnert. Alles andere als Füllmaterial, sondern eher stimmungsvoll und mittelalterlich anmutend sind die Instrumentalstücke ‘Egils Polska’ und das abschließende ‘Likfärd’. Likfärd, zu Deutsch ‘Trauer’… dass der Frühling eben doch noch auf sich warten lässt…

Das Warten versüßen sollen die beiden Bonusstücke ‘Bergakungen’ und ‘Morgonstjärnan’, die dem Fejd-Fan der frühen Tage keine Fremden sind, handelt es sich doch hierbei um die ersten beiden Lieder der “Eld”-EP, die sich von ihren Originalen jedoch (leider?) nicht unterscheiden.

Napalm wollte ein paar Bonussongs haben, um die ganze Sache attraktiver zu machen. Sie haben eigentlich nach bisher unveröffentlichten Material gefragt, aber wir hatten da nichts bereits Aufgenommenes. Wir waren etwas in Eile, da wir unbedingt eine März-Veröffentlichung haben wollten. Das eigentliche Album endet mit ‘Likfärd’. (Esko Salow, 20.03.09)

Die Wiederveröffentlichung der ersten beiden EPs “I en tid som var” und “Huldran”, auch zusammen auf einer CD, negiert Esko jedoch:

Nein, wir werden sie nicht als Album wiederveröffentlichen. Sie waren als Demos gedacht und Sound und Performance sind in einer zu schlechten Qualität um sie so wie sie sind wiederzuöffentlichen. Aber wir sprechen auch darüber, von einigen Songs Neuaufnahmen zu machen, gegebenfalls als Bonustracks für kommende Alben. So wäre es auch cooler für diejenigen, die die originalen CDs der EPs besitzen, denn die sind heutzutage wirklich schwer zu finden. (Esko Salow, 20.03.09)

Zugeben, man kann nicht bestreiten, dass sich Fejd auf “Storm” ab und an auch ein bisschen wiederholen. Da diese Musik derzeit aber sowieso einmalig auf dieser Welt ist, nimmt man das gern mal in Kauf.

Demnächst spielen Fejd auch ihre ersten Auftritte auf einer handvoll Festivals in Deutschland, bei ersterem wird RockZOOM dabei sein und berichten:

18.Apr. 2009, 15:00 Uhr: Ragnarök Festival 6 (Lichtenfels)
27.Jun. 2009, 18:30 Uhr: Festung Open Air (Königstein bei Dresden)
03.Jul. 2009, 20:00 Uhr: Hörnerfest (Brande-Hörnerkirchen)

Wir alle haben noch andere Jobs, auf die wir Rücksicht nehmen müssen. Aber vielleicht werden die Dinge in Zukunft anders aussehen. Den Schritt von einer Garagenband zu Vollzeitmusikern vollziehen zu können wäre wirklich großartig; es ist doch recht schwierig, alles gleichzeitig machen zu müssen. Wir arbeiten daran, mehr Konzerte zu geben und werden in Zukunft viel mehr live spielen. Wir hoffen wirklich, viele von euch bei unseren Shows zu treffen, also seid nicht schüchtern: Kommt und redet mit uns. Und bitte besucht unsere offizielle Bandhomepage und unsere Myspace-Seite. (Esko Salow, 20.03.09)

>> Offizielle Fejd Webseite: www.fejd.se
>> Fejd @ Myspace : www.myspace.com/fejd

ACHTUNG! ### Livestream am 23.03. @ www.heavylaw.com ###
(befindet sich rechts unten, einfach nur das Sound-Symbol anklicken und bei Laptops bitte gescheite Boxen oder Kopfhörer verwenden… )

Jana Legler (JLE): Ich weiß. Meine neue Göttin. Man muss sich schon drauf einlassen irgendwie, aber wenn man es getan hat, dann ist man gefangen.

KKR: Gefangen, genau. Das trifft es wirklich gut. Live kam das Ganze in Leipzig noch viel besser herüber… Kannte vorher ja auch nur die Songs von der Myspace-Seite. Und das ist eigentlich so gar keine Myspace-Musik, die man mal eben beim Herumsurfen nebenbei hört.

JLE: Also, bei mir fing es so an, dass ich recherchierte, was demnächst bei mir in der Umgebung so an guten Konzerten stattfindet. Ich bin ja doch gerne Entdecker. Irgendwie. Im Forum in Bielefeld sollte am 9.1. eine gewisse Rose Kemp auf der Bühne stehen. Sie war wohl vor ein paar Wochen erst dort Gast, als Vorband für eine Band, die mir ebenso wenig ein Begriff war… Die Beschreibung zu der Dame klang super spannend. Das Bild von ihr sprach mich ebenfalls an, da kommt halt immer wieder der Fotograf in mir durch, haha. Und ich hab ratzfatz mal ihren Namen auf MySpace eingegeben und ich war echt vom ersten Moment an erstarrt. Erfreut. Bei mir wurde sofort der Gedanke wach, dass ich endlich mal wieder eine weibliche Künstlerin gefunden habe, die es wert ist sie irgendwie… öhm… zu verehren. Weil mir ihr Gesamtsound so unter die Haut ging. Ich habe mir dann auch umgehend ihre beiden Alben bestellt. Wollte vorm Konzert natürlich noch etwas an weiteren Vorabimpressionen aufsaugen.

KKR: Da bist du wesentlich vorbereiteter in deinen Auftritt gegangen als ich, haha. Ich hab im Vorfeld mal auf ein bisschen auf www.last.fm herumgeschaut, ist ja auch immer mal ganz gut, um neue Sachen kennenzulernen. Da ist mir erstmal eine sehr bunt gemischte Beschreibung ins Auge gefallen: “Ihre Wurzeln liegen in der Folkmusik. Inzwischen mischt sie Folk mit Doom, Drone, Stoner Rock und Black Metal.” Klingt äußerst vielversprechend. Und dann ist sie noch die Tochter von zwei Steeleye Span-Musikern. Das Witzige ist ja, dass ich in den letzten Wochen recht häufig Steeleye Span-Schallplatten gehört habe. War ne recht bekannte britische Folk Rock-Truppe in den 70er Jahren, jedoch wesentlich fröhlicher und beschwingter – schon beinahe naiv – als Rose heutzutage. Von wegen “Der Apfel fällt nicht weit vom Stamm”. Der Apfel hat zwar irgendwie was mit dem Stamm zu tun – er kann singen und man schmeckt in ihm diese typische enorme Bandbreite und Sympathie der Folksängerinnen – aber dieser Apfel rollt auch durch ziemlich matschige Pfützen, über Berge hinweg und grollende Wasserfälle hinab. Unser Apfel ist ein Entdecker-Früchtchen und scheut sich nicht, sich auf eine große Reise abseits ausgetretener Pfade zu begeben…

JLE: Ja, ausgetretene Pfade… das beschreibst auch du treffend! Es gibt ja so viel Neues, Tolles, Interessantes. Aber oft erwischt man sich sogar inmitten seiner eigenen Extase und stellt fest… ja, der und der… und die und die… die klingen ja schon ähnlich. Bei Rose Kemp habe ich seit langem mal wieder Gefühl, dass da etwas heranwächst, was vollkommen eigenständig klingt. Gewisse Soundmomente waren gewiss auch schon da, aber Rose klingt so schön eigenwillig. So eine Tori Amos des Rock’N'Roll irgendwie. Ich finde es amüsant, dass sie dabei relativ gelassen wirkt. Sie macht einfach ihr Ding. Vielleicht sollten wir mal auf unsere Konzerterlebnisse umschwenken… Zumindest kann ich jetzt schon mal sagen, dass ich mir in Bielefeld nach ihrem Konzert seit Ewigkeiten mal wieder eine LP gekauft habe. Von ihr. Und dabei hab ich nicht mal einen Plattenspieler. Das gleicht einer Liebeserklärung.

KKR: Jetzt hast du sie ja doch wieder mit jemandem verglichen, haha. Vielleicht auch eine Kate Bush des Sludge? Haha. Alles Blödsinn irgendwie. Man muss es wohl mal selbst richtig erlebt haben. Und das geht am besten über die Dame selbst. Ich war letzten Sonntag in der kleinen beschaulichen Leipziger naTo, die sich hin und wieder der Reihe “Noise Club” hingibt… Ich glaube nicht, dass man Rose Kemp hier wirklich kennt. Es waren so um die 100 Leute da, voll war es nicht gerade, das anwesende Publikum sehr… äh, zivilisiert und wohl genauso wenig vorbereitet auf das Bevorstehende wie ich. Es war zu Beginn jedenfalls totenstill… Alle waren dennoch mordsgespannt und nicht wenig überrascht, als eine junge Dame mit Umhang und Kapuze, begleitet von nur einem Drummer und einem Bassisten die Bühne betrat…

Doch was sagt man sich über “Arv” in den Weiten des Web als Fan des Debütalbums, das so chaotisch-unberechenbar, folkig und heavy zugleich, abwechslungsreich und mit vielen tollen Melodien fast auseinanderzuplatzen drohte? Man meint nun zum Beispiel, der Nachfolger “Arv” klänge überstürzt, schlecht produziert, unaggressiv und sogar “poppig”… Das meiste davon ist natürlich völliger Käse. In Wirklichkeit hört man dem Zweitling überhaupt nicht die kurze Aufnahme- und Produktionszeit zwischen Juni und August diesen Jahres an und was in anderen Ohren unterproduziert und “unmetallisch” klingt, ist in Wirklichkeit viel natürlicher, wärmer, archaischer und reifer geraten als der Vorgänger “Hin vordende Sod & Sø”. Sowieso macht es wenig Sinn, die beiden bisherigen Alben direkt miteinander zu vergleichen, denn viel ist in den vergangenen fünf Jahren passiert. Dass das Label der Band dieses Jahr ordentlich Druck gemacht hat, ist den acht Kompositionen auf “Arv” nicht anzuhören. Vielmehr klingt Album Nummer zwe gesetzter, hat einen wunderbaren Fluss und wächst mit jedem Hördurchlauf… Marius Olaussen, einzig verbliebenes Gründungsmitglied der Band (also bereits seit 1998 im Boot der Nordmänner und -frauen), zur Entstehung von “Arv”:

Marius: Hi Katrin. Zunächst einmal vielen Dank für deine netten Worte und dem Interesse an unserer Musik. Auch ich beginne, dieses Album mehr und mehr zu mögen. Wenn du dir vorstellen kannst, wie schwer es für einen Musiker ist, etwas Unvollendetes zu veröffentlichen, dann weißt du wie wir uns fühlten als wir “Arv” ins Presswerk geschickt haben. Eigentlich haben wir ja an einem Konzeptalbum mit Namen “Tusind tabte Siæles Kakofoni” gearbeitet und fünf Jahre sind seit “Hin vordende Sod & Sø” ins Land gegangen… Die Anfrage unseres Plattenlabels, doch dieses Jahr noch ein Album zu veröffentlichen, ist auch für uns gut nachvollziehbar. Unser Label hat uns mit der Veröffentlichung nicht unter Druck gesetzt. Sie wollten, dass wir “Tusind tabte…” dieses Jahr veröffentlichen, aber das wäre absolut unmöglich gewesen. Für “Tusind tabte…” bräuchten wir noch mehr Zeit im Studio, da noch viel mit verschiedenen Instrumenten und ähnlichem ausprobiert werden muss. Daher mussten wir nun Material aufnehmen, das einfacher aufzunehmen, zu produzieren und rechtzeitig fertigzustellen ist – was wir natürlich auch nicht hinbekamen. Besonders von den Gesangslinien gibt es viele, die wir weglassen mussten, etliche mussten vereinfacht werden. Wir hatten außerdem eine Neuproduktion unserer ersten Demo “Alvesang Fager” geplant, aber mussten auch das aufgrund des strikten Zeitplanes auslassen. Dafür haben wir die Drums, den Bass und die Gitarren bereits aufgenommen, vielleicht werden wir es später mal veröffentlichen. Wir werden sehen.

Wie schon auf dem Debüt haben Olaussen und Co. auch dieses mal ausschließlich Norwegisch getextet. Da wohl nicht jeder dieser Sprache mächtig ist, habe ich Marius gebeten, jeden “Arv”-Song inhaltlich kurz vorzustellen. Zunächst wäre da also

Fandens Mælkebøtte:

Marius: Zu deutsch: “Des Teufels Milcheimer”. Eine Ode an den Löwenzahn. Ich möchte nicht gern allzu viel vom Symbolismus verraten und hoffe lieber, dass ein paar fleißige Seelen sich doch ans Übersetzen und Entschlüsseln machen. Es ist außerdem mein Tribut an einen großartigen norwegischen Poeten: Henrik Wergeland. Man kann “Fandens Mælkebøtte” als meinen Versuch betrachten, ein Wergelandisches Gedicht zu schreiben. Ich bin ein großer Fan seiner obskuren Art von Symbolismus. Daher lasse ich das hier mal offen, sorry…

Musikalisch gesehen erkennt man vom ersten Ton an Ásmegin wieder: Es sind diese klar gesungenen Vokalharmonien fernab des Wikinger-Loarlalaaar, welche so unverkennbar über weite Ebenen schallen. Während man auf dem Debüt noch alle Vokal-Register zog – aber auch alle: traditionell nordische Harmoniegesänge bishin zum gurgeligen Gutturalgegrunz und zehennagelziehenden Zetermordio männlicher- und weiblicherseits – wurde dies auf “Arv”deutlich reduziert. Einen Gewinn stellen da mit Sicherheit die beiden neuen Sängerinnen dar. Diese Reduzierung war jedoch keine bewusste Entscheidung…

Marius: …Es zerreißt mir wirklich das Herz, dass wir so viele “Krisenentscheidungen” für “Arv” in Bezug auf die Instrumentierung treffen mussten. Wir hatten für die Violine zum Beispiel nur drei Stunden. Wir mussten also für jene Arrangements, die unbedingt mit einer ersten und zweiten Violine instrumentiert werden sollten, eine Liste mit Prioritäten aufstellen und uns dann nach und nach auf dieser Liste herunterarbeiten, in der Hoffnung so viele Arrangements wie möglich realisieren zu können. Natürlich haben wir nicht alles geschafft; ein hoffnungsloses Unterfangen, besonders wenn man berücksichtigt, dass wir in unseren eigenen Studios waren, ganz ohne diese stressigen ökonomischen Rahmenbedingungen… Es stimmt also in der Tat – das Album hätte besser ausfallen können und es ist nur allzu wahr, dass der gesamte Prozess total überstürzt war. Ich könnte auch noch erwähnen, dass Erik, unser Sänger, in nur wenigen Wochen vor den Drumaufnahmen auf eben diese vorbereiten musste, weil wir im Moment einfach keinen Schlagzeuger haben…

Ich persönlich empfinde jedoch das Endresultat von “Arv” ganz und gar nicht als unterinstrumentiert. Auf diese Weise hat jedes einzelne Stück Gelegenheit, sich zu entfalten, jedes Instrument die Chance, gewisse räumliche Tiefe zu erlangen, auch die Gesangspassagen profitieren davon ungemein. Würde der wunderbar klar gesungene Mittelteil in “Gegangeren” in einem Wust aus bombastisch und virtuos gespielten Folkinstrumenten und drei Gitarren mehr nicht vollkommen untergehen? Schade, dass viele eingefleischte (Metal-)Fans mit diesem neu gewonnen, mehr auf Kern hin gespielten Sound nicht viel anfangen können…

Marius: Die Tatsache, dass “Arv” viel weniger aggressiv (wenn überhaupt) ist, ist uns nicht wichtig. Wir kreieren die Musik, die wir kreieren wollen. Worin liegt der Sinn, ein neues “Hin vordende Sod & Sø” aufzunehmen? Diesmal sollte es etwas anderes sein. Falls Aggression für einige von größter Wichtigkeit sein sollte, so kann ich sagen, dass Erik schon höllisch für einige Parts des Drummings auf “Tusind tabte Siæles Kakofoni” übt. Es ist uns unwichtig, ob dieses Album Pop ist oder nicht. Wir mögen guten Metal genauso wie guten Pop, oder welches Musikgenre auch immer. Wir dachten, dass die “Arv”-Songs am besten klängen, wenn wir ihnen diesen “poppig” natürlichen (an die 70er erinnernden) Sound geben würden. Es ist nicht so, dass wir nun unseren Stil verändert haben. Wir als von vielen Seiten beeinflusste Musiker wollen nicht darauf limitiert sein, nur eine “Metalband” zu sein und entschieden in Sachen Arrangements und Produktion, was getan werden musste.
Der überwiegende Teil des Materials ist alt, sehr alt. Einige Songs stammen aus der Zeit vor “Hin vordende Sod & Sø”, andere entstanden diesen Sommer. Alle Texte wurden diesen Sommer geschrieben, was wohl das stressigste war – jedenfalls was die Texte angeht, die ich geschrieben habe. Letztenendes ist aber alles doch recht anständig geworden.

Hiertebrand:

Marius: Zu deutsch: Herzensbrand. Raymond schrieb hier den Text, ich traue mich also nicht, allzu viel darüber zu erzählen und mache da hoffentlich keine Fehler. Es erinnert mich dennoch an die mittelalterliche Ballade von den zwei Schwestern, ist beides ziemlich ähnlich: die eine rein und liebenswert, die andere verrückt und voll Hass. Letztere tötet ihre Schwester, um an deren Geliebten zu kommen und ihn für sich zu haben.

Generalen Og Troldharen:

Marius: Zu deutsch: Der General und der Trollhase. Das ist eine doch sehr humorvolle Geschichte, an manchen Stellen sogar wahr. Der wahre Teil daran ist ein pensionierter Lieutenant, eigentlich gar kein General, der einst von Christiania (Norwegens Hauptstadt von 1877 bis 1925) auf das Land ins Gebiet Ringerike zog, um einen Trollhasen zu jagen, der die Anwohner schon seit geraumer Zeit terrorisierte. Ich habe im Text Ringerike mit meiner Heimat Hadeland ersetzt, was aber nicht weit weg ist von Ringerike. Die Lyrics handeln jedenfalls von Aberglauben, und Hochmut, und das alles mit natürlich mit Humor.

Apropos, gerade hier, beim stampfenden Beat und der Ungehobeltheit dieses polterigen, obskuren und doch irgendwie beschwingt witzigen Songs, gedenkt man oft den Trollen, genauer gesagt den Finntrollen zu ihren besseren Zeiten, etwa dem “Visor om slutet”-Akustikalbum. Wie die finnischen Kollegen lassen auch Ásmegin gern mal ihre Folkinstrumente in ungewöhnlichen Tonarten erklingen, scheuen sich aber auch nicht vor dem Einsatz von Keyboards seitens Lars Fredrik Frøislie. Doch bevor alle entgeistert aufschreien sei das Ganze sogleich spezifiziert: Hammond-Orgeln, Mellotron und das spaßige Mini-Moog sorgen für einen schaurig-schrägen 70er-Vibe, der hier absolut passend ist und nicht an den Haaren herbeigezogen klingt, da es eigentlich mal wieder recht “inn” ist, als Metalband solche Einflüsse zu verwursten.

Marius: Der 70er-Soundhier und da ist gewollt, absolut. Die Intention war, ein organischeres, trockeneres und nicht so “metallisches” Album zu machen. Wir haben auch scho einige von Lars’ Keyboards auf “Hin vordende Sod & Sø” verwendet, ganz einfach weil wir seine Instrumente lieben.

Arv:

Marius: Zu deutsch: Erbe. Es ist ein Lied über die Werte der Familie und unserem Gebrauch davon, erzählt in einer kurzen Geschichte von einem Vater und seinem Sohn.

Ich mochte Lars Nedland’s Gesang auf “Hin vordende…” wirklich sehr, aber ich denke ich mag die Gesangsarrangements auf “Arv” sogar noch mehr, was wahrscheinlich an beiden neuen Sängerinnen liegt, die wirklich einen fantastischen Job abgeliefert haben. Man nehme zum Beispiel das Ende vom Lied “Arv”: Eine der Damen singt am Ende gar derart hoch, klar und ausdauernd, dass man sich gar nicht mehr sicher ist, ob einem da Mensch oder Instrument entgegenschallt.

Marius: Lars Nedland hatte auf unserem Debütalbum einen hervorragenden Job abgeliefert. Ich bewundere ihn auch für seine Arbeit bei Solefald, seine Stimme passte wunderbar in unser damaliges Material. Aber ich bin froh, dass dir auch die Gesänge auf “Arv”gefallen. Es ist Eriks erste offizielle Veröffentlichung und er war wirklich sehr gestresst sowohl Lars Nedland als auch Bjørn Olav und Tommy zu ersetzen, die alle einen klasse Job auf “Hin vordende Sod & Sø” machten. Wegen der strikten Deadline mussten wir alle Experimente mit Eriks Gesang über Bord werfen, aber die aufgenommenen Vocals funktionieren ganz gut. Auch was die Mädels angeht, sind wir sehr zufrieden. Mit Anne-Marie haben wir schon auf dem Debüt zusammengearbeitet und waren ganz froh, dass sie uns auch auf “Arv” aushelfen wollte. Auch die neue Sängerin, Gunhild, ist extrem talentiert. Wir sind zutiefst dankbar für diese beiden und hoffen, dass sie auch in Zukunft mit uns zusammenarbeitet werden. Wir haben zwar im Vorfeld geschriebene Gesangslinien, aber es ist uns nicht wichtig, diesen während des ganzen Aufnahmeprozesses zu folgen. Nimm zum Beispiel Gunhild. Sie hat eine erfreulich jazzige Stimme, was unserer Meinung nach den Songs noch eine gewisse Würze verleiht. Also, die Gesangsaufnahmen (und das betrifft auch alle Instrumente) sind ein dynamischer Prozess, an keiner Stelle einer gegebenen Idee strikt folgend. Warum wir immer mit verschiedenen Sängern arbeiten? Wir sind alle große Fans von Abwechslung. Wir landeten bei diesen beiden Sängerinnen, da sie total unterschiedliche Charakteristiken haben und jeder Song dieses und jenes Gefühl erforderte.

Yndifall:

Marius: Zu deutsch: Trauerfall. “Yndifall” ist der einzige Song, welcher in altnordischer Sprache geschrieben wurde und von den Themen Stolz, Rache, Ehre und Treue, in Leben und Tod, handelt. Es ist eine Geschichte über einen Kampf zwischen zwei Königen und ihren Gefolgsleuten. Einer der Könige kehrt mit Rachegelüsten wieder, voller Schande und Hass. Sein Schiff trägt hunderte von Männern, und so ist er dem anderen König und seinen Männern zahlenmäßig überlegen. Es ist eine einfache und schöne Geschichte über das Sterben mit den Verwandten.

Gengangeren:

Marius: Zu deutsch: Die Erscheinung. Raymond und ich haben diese Worte zusammen im Studio geschrieben. Es geht um die Leere im Tod, und die Trauer über das was einem vom Weitergehen abhält, außerdem um das Verlangen nach Frieden und Geschlossenheit.

Starker Tobak, der starke Töne hinter sich herzeiht. “Yndifall” ist der wohl härteste Song auf “Arv”, bei “Gengangeren” fällt besonders das traurig-tänzelnde Pianothema auf, welches der gesamten Atmosphäre einen noch verzweifelteren Touch gibt, ohne besonders “metal” zu sein. Themen wie diese können sich in diesem neuen Sound überraschenderweise sehr gut entfalten, doch unterscheidet er sich sehr wesentlich von dem des Debütalbums. Produktionstechnisch begibt sich der “Hin vordende…”-Nachfolger tiefer in den norwegischen Sumpf und wirkt beinahe sogar… dumpf. Dumpf, eines der Worte, die nach mehrmaligem Schreiben, Lesen und Darüberhersinnieren einfach komisch und sogar falsch aussehen, wohl aber durchaus noch so gemeint sind – und in diesem Falle sogar positiv! “Hin vordende…” klang da an einigen Stellen schon fast zu durchproduziert und ich frage mich auch, ob dieses überschnelle Blastbeat-Schlagzeug getriggert wurde!? Solche Hochgeschwindigkeitsausflüge findet man auf “Arv” nun gar nicht mehr. Vielmehr geht es hier beschaulich warm zu, die Produktion passt… Und das obwohl es heißt, das gesamte Album wurde in gerade mal 24 Stunden abgemischt…

Marius: Das Schlagzeug war getriggert, okay, aber es wurde genauso gespielt. Tommy ist ein verdammt schneller Drummer, vielleicht sogar schon zu schnell für das Material. Aber wir waren jung damals und meinten, dass es auf diese Weise sehr cool wäre. Wenn ich dieses Album heute nochmal aufnehmen würde, hätte ich das Tempo wohl etwas gedrosselt. Versteh mich nicht falsch, ich liebe verrückte Uptempo-Sachen, aber bei ein paar Songs war es doch schon etwas zu viel des Guten. Es ist schön, dass dir die Produktion von “Arv” gefällt. Es füllte sich nur richtig an. In Wirklichkeit haben wir das Album aber in nur einer Nacht gemixt, nicht in 24 Stunden. Einige von uns, mich eingeschlossen, mussten tagsüber nämlich arbeiten. Ich denke 12 Stunden trifft es da schon eher. Wir haben die ganze Nacht gemixt und sind dann geradewegs zu unseren Tagesjobs ohne Schlaf übergegangen. Das war die pure Hölle. Ich habe herausgefunden, dass ich in der letzten Woche ingesamt nur 18 Stunden Schlaf hatte. Das ist eigentlich nicht meine Art, Kreativität zu entdecken.

Prunkende, Stolt I Jokumsol:

Marius: Zu deutsch: Prunkvoll, stolz in der Sonne Jokums. Dieses Lied handelt von Themen wie Selbstmord, Apathie und dem Hintersichlassen schwerer Bürden. Ich habe mich für eine Metapher aus der norwegischen Folklore entschieden um diese überwältigende Unterfangen zu beschreiben.

Ich mag die musikalische Seite dieses Songs wirklich sehr, so ganz anders als der Rest mit seinem jazzig-entspannten, leicht melancholischen Charakter. Gunhilds Stimme allein begleitet von sachter Perkussion und schön warmen Bassspiel erinnert ein ums andere Mal an die große Norwegerin Kari Bremnes…

Marius: Danke! Ich mag Bremnes selbst sehr gern, das ist eine nette Parallele. Die Idee lag schon seit einer Weile bei mir herum. Der Hauptgedanke war vermutlich, dem Ganzen eher einen Mike Oldfield-Touch zu geben. Ich hatte auch vor, Violinen, Flöten und Mandolinen für diesen Track zu verwenden, aber die Zeit war gegen uns. Wir haben uns dann letztenendes auf die Vorproduktion berufen und es klar belassen.

En Myrmylne:

Marius: Zu deutsch: Ein mooriger Mylne (Dies ist ein Walzer). Der Text hier ist wohl der düsterste auf “Arv”. Der Song handelt von einem Mann, der in den Wald geht um Moltebeeren zu pflücken, im Moor aber zu Tode kommt. Es geht in erster Linie um Geiz, könnte man sagen. Es waren die verführerischen Moltebeeren, die den Mann in ein nasses Grab brachten. Und dennoch ist da dieses stete Gefühl, daheim zu sein. Man fragt sich dann vielleicht, warum das ganze dann “ein mooriger Mylne” heißt? Schau, es gab andere wie ihn, ebenso verzaubert von den Moltebeeren, die auch in diesem Moor verendeten. Auf diesem langsamen aber sicheren Weg hinab in den Sumpf erscheinen ihre geisterhaften Gestalten. Sie tanzen diesen Walzer, einen oktagonalen traditionellen Walzer, bringen ihm diesen bei und lassen ihn mittanzen. Für mich geht es in diesem Song auch um Frieden.

Mit neun Minuten ist “En Myrmylne” zugleich der längste als auch der komplexeste Song. Wer denkt, dass hier von vorn bis hinten ein einfacher Walzer angesagt ist, wird sich rasch selbst aufgrund eines unbedachten Schrittes im Moor wiederfinden, denn ebenso unberechenbar zeigt sich dieses Stück, der nächste Schritt ist unbekannt, und das macht die ganze Sache interessanter. Ásmegins nächste Schritte nach diesem Album? “Tusind tabte Siæles Kakofoni”. Eigentlich gab es dazu sogar schon einige Aufnahmen, ich erinnere mich an ein paar Fotos von Sessions in einer abgelegenen norwegischen Hütte vor ein bis zwei Jahren

Marius: Ja, das ist richtig. Viele dieser Aufnahmen sind fertig, aber wir sind noch nicht bereit, es zu veröffentlichen. Erik und ich haben allein für die Lyrics schon zwei Jahre gebraucht, wir sind also drauf und dran, das Material rauszubringen. Aber wir werden es nicht überstürzen. Es gibt immer noch ein paar Arrangements, die neu geschrieben werden müssen.Wir haben die Gitarren in einer norwegischen Jagdhütte in den Wäldern aufgenommen, die man auch in den Fotos von “Arv” sieht. Es steht noch nicht fest, ob “Tusind tabte…” das nächste Album wird. Es kann sein, dass wir ein weiteres temporäres Album veröffentlichen. Der Titel heißt übersetzt “Kakophonie von tausend verlorenen Seelen”. Es wird zwei Alben zu diesem Thema geben. Ich werde auf die Story zurückkommen, wenn das Doppelalbum veröffentlicht ist.

Was das Line-up angeht, so herrscht auch fortan wie bisher eher Ungewissheit…

Marius:Wir sind zumindest eine funktionierende Band. Wir hatten so einige Probleme, ein stabiles Line-up hinzubekommen. Heute wissen wir, dass die verbleibenden vier wohl die beste Lösung sein dürften. Das heißt, dass wir nicht imstande sind, Ásmegin-Songs live zum Besten zu geben und haben auch keine Pläne diesbezüglich. Im Moment sind wir eine Studioband. Vielleicht wird sich das in Zukunft ändern. Ich bin sehr zufrieden, mit solchen Musikern wie diesen jetzt arbeiten zu können. Es ist ein wenig riskant, mehr Bandmitglieder zu involvieren. Es gibt hier in Norwegen ein Sprichwort: Zu viele Köche verderben den Brei…

Und insofern war es schon von Vorteil, dass auf “Arv” verhälnismäßig wenige Köche mitmischten. Ja, das Album kann durchaus an einem vorbeiziehen – zweimal, dreimal, vielleicht gar öfter. Wer aber bewusst hört, ist klar im Vorteil und darf entdecken. “Arv” blüht von mal zu mal und zeigt sich wie eine norwegische Wanderung über stets die selbe Route. Doch es ist in Wahrheit nie die selbe Wanderung: ein neues Pflänzlein am Wegesrand, der Untergrund mal trocken dürstend, mal glitschig, tückisch und nach frischer Erde riechend. Und das tosende Schmelzwasser, das uns einst den Weg versperrte, verebbt im nordischen Hochsommer zum lieblichen Rinnsal und wartet auf den neuen Anstieg…

Englische Originalfassung des Interviews auf der nächsten Seite…

Wie also sieht der Film wirklich aus, dessen Soundtrack „Today is not the Day…“ sein könnte? Schwarzweiß, ganz klar, und ein bisschen melancholisch. Einer der Filme, bei denen man mit dieser unbestimmten Seligkeit aus dem Kino kommt, weil man gerade Zeuge hoher Kinokunst geworden ist. Ein etwas elitäres Gefühl vielleicht, denn dieser Film wird nicht jedem gefallen, aber einen kleinen, treuen Fankreis bis zum Delirium begeistern.

Das Arrangement ist wundervoll reduziert: Stimme, Gitarre, ein paar leise Zwischentöne. Singer-Songwriter eben, und doch ganz eigen. Dazu kommen unaufgeregt intelligente Lyrics, die ein poetisches Level erreichen, das Fans von Nick Cave sehr glücklich machen dürfte. Apropos, in seiner sparsamen Instrumentierung und den ätherischen weiblichen Background Vocals erinnert das Album angenehm an Caves 2004er Doppelschlag „Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus“, nur, dass „Today is not the day…“ eben ohne Piano auskommt und dafür auf sattes Akustik-Geklampfe setzt. Weniger Blues, mehr Folk.

Ob es jetzt nun die offensichtlichen Ohrwürmer wie „Little Prince Town“ und „Hurrah Hurrah Hurrah, Hurray Hurray“ sind oder sperrigere Songs wie „Variations on a Theme Called Honesty“: Man wird sie nicht mehr los, diese Melodien, sie verfolgen einen unauffällig und melden sich gerne ein paar Stunden, nachdem das Album durchgelaufen ist, aus dem Unterbewusstsein. Call the ambulance, cut the wedding cake, tell the prisoners they’re free – hilft alles nix, man muss und will und kann es immer wieder hören. Open your ears, my dear, everything’s ok.

Nicht nur wir sind ziemlich einig: Dieser Mann darf kein Geheimtipp sein, schreit es heraus, verbreitet Myspace-Links und Hörproben, rennt dem Radiosender eures Vertrauens die Türen ein.

Und vor allem: Hört ganz viel Gus Black.

Offizielle Homepage: www.gusmusic.com
Gus Black auf MySpace: myspace.com/gusblack

Auch die kanadische Folk-/World Music-Ikone Loreena McKennitt wartet nun mit einem ähnlichen Konzept wie ihre britischen Kollegen auf, nur dass die begnadete Sängerin und Multiinstrumentalistin bereits 1995 die Idee hatte, neu interpretierte Dezemberklassiker auf CD zu bannen. Damals war es die EP “A Winter Garden: Five Songs for the Season“, die unter anderem die Weihnachtsgassenhauer „God Rest Ye Merry Gentlemen“ und „Good King Wenceslas“ in ein neues Licht rückte und Lust auf Mehr machte. Dieses Mehr, und zwar das 54-minütige „A Midwinter Night’s Dream“, kommt nun am 17. Oktober in die Läden. Schließlich soll eine Bescherung auch länger als 22:30 Minuten andauern und wieso nicht die verzaubernde Stimme der Loreena McKennitt als Begleitung zu leuchtenden Kinderaugen erleben?

Keine amerikanische TV-Weihnacht mit Carol-Singing, Neonlicht-Shopping, Bergen von Schnee und Truthahnduft; die Kanadierin zieht bescheidenere Gerüche vor:

“I really wanted to recapture some of the frankincense and myrrh in this music”

Nach der Essenz von Weihrauch und Myrrhe riecht zum Beispiel das neu aufgenommene „God Rest Ye Merry Gentlemen (Abdelli version)“. Für diesen Weihnachtsdauerbrenner geht es direkt in die Wiege der Christenheit. So passt die orientalische Perkussion natürlich ganz wunderbar, unterscheidet sich aber auch nicht von jener Version, welche bereits 1995 auf “A Winter Garden” zu hören war. Der kabylische Musiker Abderrahmane Abdelli gab dem Stück übrigens seinen Namenszusatz, den lautmalerischen Gesang zu Beginn und wohl auch die ein oder andere orientalische Inspiration während des Liedes.

Wir machen einen weiten geographischen Sprung: Die Musik von „The Seven Rejoices of Mary“ ist vielen wohl eher als „Star of the County Down“, einem Klassiker der irischen Musiklandschaft, bekannt. In Frankreich und christlichen Teilen Nordafrikas hingegen darf heutzutage „Noël Nouvelet!“ bei keinem Weihnachtsfest fehlen. Jenes stellt für Loreena persönliches Neuland dar, gibt es von ihr bisher doch keine Tonaufzeichnungen in französischer – genauer genommen altfränzösischer! – Sprache. Einzig das englische Traditional “Seeds of Love” hat die Schmalzgrenze gehörig überschritten und stellt somit den einzigen kleinen Ausfall dieser sonst so hochqualitativen CD dar.

Eine gewisse Skepsis ist bei der scheinbar kruden Mixtur aus vorwiegend orientalischen und keltischen Tönen im Rahmen klassischer Musik zunächst angebracht. Doch so nahtlos diese Mixtur auch scheint: Niemand schafft es wie Loreena McKennitt, diese verschiedenen Einflüsse und Spielarten homogen miteinander zu verknüpfen und ihnen selbst inhaltlich plausible Gemeinsamkeiten – Essenzen von Weihrauch und Myrrhe – zu geben. Diese so typische Spiritualität wirkt glaubhaft ohne solch esoterischen Ethno-Eskapaden á la Enya gleichzukommen.
Denn statt irgendwelches New Age-Gedöns mit Synthesizern zu fabrizieren, legt Loreena McKennitt stets Wert auf Authentizität durch “echte Instrumente” ohne die Fähigkeit zu verlieren, eigene Interpretationen zum Ausdruck zu bringen. Neben ihrem berührenden, sauberen Sopran ist sie einmal mehr für Pianoklänge, Akkordeon und Harfenspiel verantwortlich und lud sich zahlreiche Gastmusiker für das Einspielen von Oud, Gitarren, Lauten und Leiern, Percussion und Streichern in Peter Gabriels Real World Studios nach London ein.

Für uns Heiden – denn sie besingt klar eine Weihnachtszeit, die vielen von uns weitestgehend fremd ist, was einen mitunter manchmal ein wenig traurig stimmen kann!? – gibt es profane Stücke wie das wunderbar traurige vertonte Gedicht “Snow” von Archibald Lampman (bereits auf “To Drive the Cold Winter Away” erschienen oder das herzensschwere „In the Bleak Midwinter“, mit welchem sich Loreena McKennitt auf diesem Album verabschiedet. Wem aber das Konzept der Nächstenliebe nicht fremd ist (und schließlich feiern die meisten von uns ja auch Weihnachten!?), dürfte mit den Texten kaum ein Problem haben, zumal das Album fast durchweg Balsam für die Ohren darstellt.

Ebenfalls am 17. Oktober erscheint das Album übrigens in einer Geschenkbox, die zusätzlich eine aufwändige Doku-DVD enthalten wird. In der Produktinformation heißt es hierzu: „Diese Dokumentation wurde im Laufe der An Ancient Muse-Tournee im Jahr 2007 aufgenommen und bietet einen ungewöhnlichen Einblick in das Tourneeleben Loreenas, ihrer Begleitmusiker und der Crew. Interviews in offener Alltagsatmosphäre und Live-Aufnahmen von Konzerthöhepunkten zeigen eine der faszinierendsten Musikerinnen unserer Zeit von verschiedenen Seiten.“ Klingt vielversprechend und ist sicher eine nette Idee für den Gabentisch. Ich empfehle jedoch, nicht erst bis zum Fest mit dem Genuss dieser wunderbaren Musik zu warten. Wer noch nicht in Weihnachtsstimmung ist, sollte sich dieses kleine Schätzchen aber zumindest vormerken.

—

>> Offizielle Loreena McKennitt-Webseite

Herzstück dieser Doppel-DVD ist der dreistündige(!) Dokumentarfilm „Sunshine Superman“, welcher chronologisch die musikalischen Stationen des Donovan von vorn bis hinten beackert. Angefangen vom milchgesichtigen Lockenkopf und beschlossen vom gealterten Meditationsguru, der seinen Frieden in Irland gefunden hat. Untermalt wird das Ganze natürlich permanent von den ganz großen Hits, deren Entstehungsgeschichten liebevoll in Wort und Bild ausdetailliert wurden. Es ist erstaunlich, dass ein so langer Film so gut wie keine Längen aufweist. Donovan und Produzent Hannes Rossacher – ich spreche hier bewusst von beiden, denn nur eine enge Kooperation (in diesem Fall über 5 Jahre hinweg!) kann ein solches Ergebnis entstehen lassen – ist genau das richtige Maß gelungen. Viele Szenen sind es, lange zum Teil auch, aber bevor man überhaupt an Langatmigkeit denken kann, wird auch schon zum nächsten zum nächsten Schauplatz, zur nächsten Person oder zum nächsten Aspekt der Musik übergeleitet:

Indien, Griechenland, Japan, USA, Irland… Atlantis.
Die Beatles, David Lynch, Maharashi Mahesh Yogi, „Gypsy Dave“… Linda Lawrence.
Drogen, Meditation, Protest, Liebe… Poesie.

Der Mann redet wirklich gern und viel vor der Kamera. Am liebsten über sich selbst. Aber darum geht es hier ja auch – und reden kann er gut, ja, ich würde ihn sogar als rhetorisches Genie bezeichnen, das auch im Interview seine Worte mit bedacht wählt, doch zugleich jeden Gedanken aus dem Herzen heraus formuliert. Damals wie heute – ein großer Redner, oder besser: ein Poet mit dem Herzen auf der Zunge.

Und so finden sich im Film neben den Donovan-Interviewpassagen der letzten Jahre auch ein paar Performances neuen Datums, die extra für den Film gedreht wurden, natürlich vor angemessenem Hintergrund. Lange Zeit lebten Donovan und seine Familie in der kalifornischen Wüste. Diese Zeit wird hier authentisch wiederbelebt. “Desert Days”/”Desert Nights”, “Cosmic Wheels” oder das bluesige “Joshua Tree” bestechen durch ihre Reduziertheit, die trotzdem – oder gerade – die Weite der Wüste perfekt einzufangen wissen – da hockt er allein auf einem Stein, der alte (und noch sehr vitale) Donovan mit seiner Gitarre. Es ist eigentlich normal, dass man als Sänger über viele Jahrzehnte hinweg abbaut und einige Höhen und klare Töne einbüßt, aber die live gespielte, karge „Wüstenversion“ ist wirklich überzeugend, mit einer schwebenden Leichtigkeit gespielt, nach wie vor schimmert und glänzt die klare Stimme des Mr. Leitch. Die Momente, die für viele Sänger eine Hürde darstellen würden, sind die emotionalen Glanzlichter bei Donovan. Ein weiteres gutes Beispiel dieser Sänger, die über so lange Zeit ihr „Gesicht nicht verloren“ nicht verloren haben ist Roger Hodgson von Supertramp. Man beachte die im letzten Jahr erschienene hervorragende Live-DVD „Take The Long Way Home“…

Doch zurück zu Donovans DVD. Allein dieses Filmes wegen ist die Sunshine Superman-DVD absolut lohnenswert, aber auch die noch einmal über zwei Stunden zusätzliches Material bietende Bonus-DVD wartet mit einigen Leckerbissen auf: Donovan-Neueinsteiger lernen die Songs vor allem in den Videoclips von damals kennen; vom selbstverliebt posenden “Sunshine Superman” über ein unterhaltsam-buntes Hippie-Medley um “Wear Your Love Like Heaven” bishin zum witzigen Trickfilm-Märchen “In An Old-Fashioned Picture Book”. Auch das Live-Videomaterial ist gut ausgewählt mit repräsentanten, souverän gespielten Stücken aus den frühen und den letzten Jahren, alle hochqualitativ in Bild und Ton, versteht sich…

Die unveröffentlichten Songs heißen übrigens so, weil sie in der Tat keine besonderen Hits darstellen. Einzig die musikalische Qualität von “The Olive Tree” weiß mich zu überzeugen. Leider muss man während des Videoclips unbedingt wegschauen, da die Wirkung des einfühlsamen Songs durch viel zu oft stattfindende, Unruhe verbreitende Wechsel der Kameraperspektiven total abhanden geht. Die Liebe und das Können zur Poesie hat Donovan übrigens vom Vater geerbt. Die Bonusscheibe zeigt den Herrn Papa beim Rezitieren eines Gedichts, welches auch hier seine Wirkung mit ein paar Kameraeinstellungen weniger sicher noch besser hätte entfalten können. Faszinierend, dieser gälische Gaumenschlag des alten Leitch, der den Buchstaben „R“ in einem kurzen rollenden Tanz die Zunge entlang ans Tageslicht befördert. Ein harter Akzent, zugleich mit sanfter Stimme und aufrichtigen Augen direkt in die Seelen der Zuhörenden gehend. Der Apfel fiel hier nicht weit vom Stamm… Interessant auch der Blick in Donovans Keller, wo man neben zahlreichen Memorabilia auch noch einmal einen Schnelldurchlauf durch die Diskographie Donovans geboten bekommt. Die privaten Fotoalben und Auszeichnungen und der Blick in den hingegen sind dann doch eher nur etwas für die Die-Hard-Fans.

Alle Bonusdreingaben hier aufzulisten und zu analysieren, würde den Rahmen sprengen und wäre auch nicht angemessen, denn in erster Linie geht es ja um den überaus gelungenen Hauptfilm aus einer spannenden Zeit mit einem hoffnungslos romantischen Schotten in ihrer Mitte. Ja, er stellt sich gern in den Vordergrund. Ja, man kann seine Lieder manchmal als zu seicht, oft als schmalztriefend bezeichnen – Doch schaut man hinter die Kulissen, so muss man eingestehen, dass seine Message wahr und aufrichtig ist, und dass sein bisher Leben verdammt interessant abgelaufen ist und dass es einen sogar ein wenig mit Neid erfüllt, weil er auf seinen Reisen und bei seinen Stationen Dinge und Menschen erfahren hat, nach denen wir uns sehnen, weil er von Sachen singt, von denen wir sagen, dass sie schmalzig sind, die uns aber doch tief berühren. Auch David Lynch sagte mehrfach von ihm, er sei ein “true poet that can through his talent and music stir very deep levels”…und wer Lynchs Filme kennt, der weiß dass dieser nicht aus Zucker ist.

Es ist schade, dass solche Musik heutzutage sehr rar geworden ist. Mir fielen da höchstens noch die englischen Circulus ein, die sich auch gern in renaissanceartige Gewänder hüllen und als schrullige Poeten solch friedliebend ausgelassene und zugleich anspruchsvolle “Märchen”-Musik zelebrieren…

Donovan selbst ist noch aktiv, veröffentlicht Alben und tourt erfolgreich. Am 26. September erscheint diese DVD und ist ein ganz klassischer Fall von “value for money” für all jene, die nach einem musikalischen Zeitzeugnis der 60er/70er, nach verblühten Blumen oder einfach nur einen Einstieg in die Musik und das Leben von Donovan Leitch suchen. Für Fans ist diese Veröffentlichung sowieso ein Muss.